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서브스턴스(2024)는 할리우드와 사회 전반에 만연한 외모지상주의(lookism)를 섬세하게 탐구하고 있습니다. 영화는 50세의 피트니스 스타 엘리자베스 스파클이 나이를 이유로 직장에서 밀려나는 과정을 통해, 젊음과 외모에 집착하는 업계의 냉혹한 현실을 보여줍니다. 은교(2012)의 대사인 "너의 젊음이 너의 노력으로 얻은 상이 아니듯 내 늙음도 내 잘못으로 받은 벌이 아니다."를 떠오르게 하는 주인공 엘리자베스의 이야기는 젊음이 특권이 되고, 나이 듦이 벌처럼 여겨지는 현실은 영화의 핵심 메시지를 더욱 선명하게 만듭니다. 이번 포스팅에서는 단순한 개인의 문제가 아닌, 사회가 나이 든 여성에게 부여하는 불공정한 잣대를 바디 호러와 블랙코미디로 풀어낸 서브스턴스(2024)에 대해 이야기 해보고자 합니다.

영화의 중심 서사는 엘리자베스의 젊은 버전인 ‘수’를 만들어내는 실험적인 약물을 중심으로 전개됩니다. 이는 젊음을 유지하기 위해 사람들이 감행할 수도 있는 극단적인 선택을 강조하며, 여성들이 영원히 젊고 매력적으로 보여야 한다는 사회적 압박을 은유적으로 드러내고 있죠. 현실에서도 미용 시술과 성형수술을 통해 젊음을 되찾으려는 강박이 존재하는데, 영화는 이를 더욱 극단적인 형태로 형상화한 것 입니다. 젊은 몸을 가진 수가 더 많은 사회적 기회를 얻는 모습은 여성들이 나이를 먹으면서 점점 주변부로 밀려나는 현실을 반영하며, 나이가 든다는 이유만으로 능력이 폄하되고 가치를 잃어가는 사회의 이중잣대가 영화 전반에 걸쳐 강렬하게 묘사되고 있습니다.

작품의 신체 공포(body horror) 요소는 비현실적인 미의 기준을 따르려는 과정에서 발생하는 심리적·신체적 고통을 생생하게 그려내고 있습니다. 외모에 대한 집착과 바디 호러의 조합은 그 자체로 블랙코미디처럼 느껴지기도 하죠. 엘리자베스는 거울 속 자신을 바라보며 점점 수와 비교하게 되고, 결국 자신의 존재 자체를 부정하는 단계에 이르는데, 특히, 거울을 보며 공포에 질리는 장면은 단순한 스릴러적 장치가 아니라, "젊음이 곧 가치"라는 사회적 강박이 만들어낸 공포인 것이죠. 이는 단순히 외모를 가꾸는 문제를 넘어서, 나이 든 여성들이 겪는 사회적 소외와 자기 혐오의 결과를 보여주는 것입니다.

데미 무어는 단순한 공포 연기를 넘어, 외모지상주의에 맞서 싸우는 한 여성의 복합적인 감정을 깊이 있게 표현하며, 자신의 커리어에서 가장 강렬한 연기를 선보였습니다. 특히, 엘리자베스가 젊음을 잃어가며 절망하는 과정은 그녀의 섬세한 연기를 통해 더욱 강렬하게 전달됩니다. 거울을 보며 점점 낯설어하는 자신의 모습에 불안과 공포를 느끼고, 젊은 몸을 가진 수가 사회적으로 더 많은 기회를 얻는 모습을 바라보는 장면에서는 처절한 내면이 대사 없이도 고스란히 전달하고 있죠. 그녀는 이 역할을 통해 올해 오스카 여우주연상 후보로 손색이 없는 연기를 펼쳤습니다. 아직 경쟁작인 션 베이커 감독의 아노라(2024)를 감상하지 않았지만, 서브스탠스(2024)에서 보여준 데미 무어의 연기라면 충분히 수상 가능성이 있어 보입니다.

데니스 퀘이드가 연기하는 하비라는 캐릭터는 업계의 유독한 남성성과 여성 대상화를 과장되게 보여줍니다. 그는 엘리자베스의 전문적인 피트니스 콘텐츠보다, 성적 매력이 강조된 수의 영상을 선호하며, 여성이 단순히 외적인 요소로 평가되는 현실을 상징적으로 드러내고 있죠. 이는 할리우드에서 여성 배우들이 겪는 현실과도 맞닿아 있습니다. 젊고 매력적인 여성은 쉽게 기회를 얻지만, 나이가 들면 점점 역할이 줄어들고, 결국 업계에서 밀려나는 경우가 많은 것은 사실이죠. 반면 남성 배우들은 나이가 들어도 주요 배역을 맡으며, 심지어 젊은 여성 배우들과 로맨스 연기를 펼치는 경우도 어렵지 않게 볼 수 있습니다. 최근 들어 이러한 트렌드가 조금씩 변화하고 있지만, 여전히 깊이 뿌리박힌 이중잣대는 완전히 사라지지 않았습니다.

서브스턴스(2024)는 극단적인 신체 공포와 블랙코미디를 통해 외모지상주의의 부조리함과 해악을 날카롭게 꼬집는 도발적인 영화로 긴 여운을 남깁니다. 엘리자베스가 결국 자신의 본래 모습을 받아들이지 못하고 비극적인 선택을 하는 장면은, 단순한 공포 영화의 클라이맥스를 넘어 사회에 대한 강렬한 경고로 다가옵니다. 영화는 "젊음과 미는 과연 얼마나 가치 있는 것인가?"라는 질문을 던지며, 현대 사회가 외모를 기준으로 인간의 가치를 판단하는 방식이 얼마나 불합리한지를 신랄하게 비판하고 있습니다. 신체 훼손을 포함한 바디 호러 요소가 강렬하지만, 이러한 연출이 불편하지 않다면 한 번쯤 감상해 볼 만한 작품입니다. 오랜만에 인상을 찌푸리며 헛헛한 웃음을 지을 수 있는, 씁쓸하면서도 매력적인 영화, 서브스탠스(2024)였습니다.

2025.

02. 19

[C] 서브스턴스 (2024)

Returning after three years, Squid Game Season 2 (2024) delivers a sequel with some ups and downs compared to its predecessor. To get straight to the point, I found it enjoyable. Admittedly, my low expectations—stemming from not regarding the original as a classic—may have played a role, but it’s undeniably a piece of content that can be thoroughly enjoyed. The unique atmosphere that defines Squid Game shines through, though slow pacing and secondary storylines act as drawbacks. In this post, I’ll discuss the pros and cons I noticed.

장르는 궁중 추리물이라고 하는 것이 맞는 것 같다. 여주인공 마오마오가 궁중에서 벌어지는 여러 사건을 해결하는 동안 다양한 사람들과의 이야기인데, 마치 빙과(2012)가 떠오르기도 한다. 제목이 약사의 혼잣말이듯 마오마오의 대사량이 어마어마한데, 오랜만에 성우가 누구인지 찾아볼만큼 만족스러운 연기를 보여주는 베테랑인 유우키 아오이인 것을 보니 납득이 되었다. 새삼 스펙트럼이 넓은 성우라고 생각했다. 역시 광역계. 그저 여주인공이 말하는 것만 듣고있어도 좋은 느낌을 주는 애니메이션이다보니 드라마CD도 상당히 재밌게 들었다.

약사의 혼잣말(2023-2024)

워킹(2010, 2011, 2015)

제목은 워킹이지만, 장르는 러브코미디이다. 어느날 아르바이트를 시작하게 된 주인공 타카나시 소타를 중심으로 남자공포증이 있는 마히루, 키가 작은 것이 컴플렉스인 포푸라 등의 가게 종업원들과 그의 가족, 그리고 주변 인물들과의 이런저런 범상치 않은 일상을 그리고 있다. 캐릭터 간의 케미와 설정들이 상당히 잘 잡혀, 주인공 커플 뿐만 아니라 주변 인물들의 서브네타도 상당히 비중있게 그려지고 있다. 코미디의 타율도 상당히 높은 편이며, 클리프행어 식의 결말없이 완결도 확실하게 냈다는 점이 특히나 마음에 드는 점이다. 미소와 실소, 박장대소까지 10년전의 감성을 고스란히 느끼며 재밌게 달렸다.

주술회전(2020~2021, 2023)

2023년의 베스트 애니 타이틀은 대부분 주술회전이 가져갔다고 해도 과언이 아닐 것이다.

Parrot Analytics Unveils Winners of 6th Annual Global Demand Awards - TTV News

Jujutsu Kaisen was the most in-demand TV series in the world, while Pathaan was the most in-demand movie of 2023. Parrot Analytics today announced the

https://todotvnews.com/en/parrot-analytics-unveils-winners-of-6th-annual-global-demand-awards/

[C] 2024년에 감상한 애니 5선

In Inside Out 2(2024), Pixar returns to Riley’s mind just as she reaches adolescence, with a new set of emotions to explore. As puberty kicks into her inner world, characters like Anxiety and Embarrassment join the familiar lineup, bringing fresh challenges to her emotions world. The film’s clever animation and humor capture this transition, aiming to resonate with audiences navigating their own complex feelings.

Anxiety, voiced by Maya Hawke, emerges as a main driver, reflecting the increased pressures Riley faces in high school. Acting as both a protector and obstacle, Anxiety's presence shows how self-doubt can complicate growth. The film’s visual representation of emotions, from Anxiety’s nervous energy to Embarrassment’s attempts to hide, humorously highlights teenage vulnerabilities. Pixar’s masterful animation and witty writing make these characters feel like real parts of Riley's journey to self-understanding.

Pixar.

Riley’s story brought me back to my own teenage years, especially when facing social dynamics that stirred up my own anxieties. I remember feeling torn between familiar friendships and new groups, with doubt and awkwardness as my constant companions. Watching Anxiety and Embarrassment personified felt spot-on, reminding me of times when these emotions held me back but ultimately helped me grow, I guess. Pixar’s portrayal of this struggle is heartfelt and relatable for anyone who’s ever felt out of place in a shifting world.

Though Inside Out 2 may not fully deliver the same impact as the first film did, it stands as a charming and introspective sequel. With its clever humor and emotional depth, it encourages us to embrace our most challenging feelings as part of growing up, which I’m still working on. Every emotion was me. Even the messiest emotions have a role to play.

10.30 2024

[C] Inside Out2

2살 아이를 가진 아빠의 유일한 자유시간은 아이가 잠들고 아내도 잠이 든 새벽 혹은 이른 아침 밖에 없습니다. 그 한 시간 남짓한 시간동안 해야하는 일들과 하고 싶은 일들을 우겨넣다보니 스스로를 위한 제대로된 인풋도 아웃풋도 내지 못 하는 상황이 되죠. 아내 몰래 연장해 놓은 게임패스로 15분 게임을 하고, 최근에 올라온 아가사 올 어롱을 다시 15분을 보고, 유튜브에서 이리저리 시간을 보내다보면 다시 또 15분이 훌쩍 지나가있습니다. 그러다 ‘내일을 위해서 자야지’하며 계단 쪽을 바라보면, 그 옆에 먼지가 쌓여가는 블루레이 장에 시선이 머물고 먼지를 털며 ‘한 시퀀스만 보고 잘까’라는 마음으로 최근에 손이 가는대로 돌려본 5개의 시퀀스를 공유해 보고자 합니다.

라라랜드 오프닝

고전 뮤지컬 영화를 오마주하는 로고에서부터 시네마 스코프의 웅장한 화면 비율로 보여주는 LA의 꽉막힌 고속도로에서 원테이크로 보여주는 안무와 신나는 음악은 다음날 아침 출근길에 조금이나마 화이팅을 불어 넣어주는 듯한 느낌입니다. 딸아이가 본인의 취향이 점점 더 확고해져가서 차에 태우고 음악을 틀어주면 이제는 본인이 원하지 않으면 단호하게 NO라고 말을 하는데요. 이 노래는 처음 들을 때, 가만히 듣고 있더니 고개를 까딱거리며 신나게 즐기는 모습이었습니다.

오펜하이머 속 키티 오펜하이머의 증언

키티 오펜하이머가 과연 로버트 오펜하이머를 감싸줄 것인가 어떤 대답을 할 것인가가 확실하지 않은 순간, 초조해하는 듯한 키티로 시작된 질의응답은 키티가 답변을 시작하는 그 순간 상황이 반전되는 희열은 영화 속 핵폭발 실험 장면보다도 더 통쾌한 장면이라고 생각합니다. 오펜하이머에 나온 모든 캐스트가 상향 평준화된 연기를 보여주는데 에밀리 블런트도 예외없이 보는 이로 하여금 호흡을 멈추고 바라보게 만드는 흡입력있는 연기란 이런 것이다를 보여주는 장면입니다.

더 배트맨 속 카체이싱 장면

영화관에서 보며 와 진짜 개쩐따 미쳤다 라고 수없이 이야기하다가 이 장면이 시작하고나서 숨죽이며 턱은 열린채로 영화를 봤던 기억이 있습니다. 폭우가 쏟아지는 밤의 위험한 카 체이스를 보고있으면 마치 내가 사고가 날 것만 같은 불안감으로 손에 땀을 쥐게 만들고, 차들의 속도를 온전히 느끼다 카 체이싱이 멈춘 이후 배트맨을 뒤집어 마치 박쥐가 거꾸로 매달려있는 것처럼 연출한 장면은 이 영화를 소장하는 이유이기도 합니다. 미장센이 워낙에 좋은 영화지만, 오프닝의 지하철 전투와 마지막 전투, 그리고 이 카 체이싱 장면은 정말 멋있게 만든 장면들입니다.

인디애나 존스 크리스털 해골의 왕국 오프닝

[C] 최근에 다시 본 5개의 시퀀스

스타워즈는 단지 블록버스터 영화 프랜차이즈를 넘어 문화적 기준이 되고 세대를 이어 현대 신화가 되는, 미국 문화사에서 독특한 위치를 차지하고 있습니다. 이러한 지위는 고전 신화와 명백한 미국적인 가치를 매끄럽게 융합하여 미국인들에게 문화적으로 매우 중요한 이야기가 되었기 때문인데요. 오늘 포스팅에선 5월 4일(May the fourth) 스타워즈 데이를 기념하며, 스타워즈가 어떻게 미국의 신화로 자리 잡았는지에 대해서 이야기 해 보려합니다.

스타워즈의 핵심은 시대를 초월한 영웅의 여정에 있는데, 이는 전 세계 신화에 어디에서도 볼 수 있는 보편적인 이야기 구조입니다. 스타워즈의 창시자인 조지 루카스는 조지프 캠벨의 원질신화를 의식적으로 활용하여, 자신을 변화시키는 혹은 변해가는 퀘스트에 착수하는 영웅의 전형적인 패턴을 따르는 이야기를 만들었습니다. 클래식 3부작에서는 루크 스카이워커가 프리퀄 3부작에서는 아나킨 스카이워커가 대표적이죠.

그러나 스타워즈를 차별화하고 "미국 신화"라는 칭호를 얻은데에는 미국의 독특한 문화적 영향을 주입한 결과물이기 때문입니다. 스페이스 웨스턴의 미학에서 투박한 개인주의와 개척 정신에 대한 찬사에 이르기까지, 스타워즈는 미국의 정신을 반영합니다. 억압적인 은하 제국에 대항한 반란군 연합의 투쟁은 자유, 민주주의 및 폭정에 대한 저항이라는 미국의 기본 가치를 활용하여 미국 독립 전쟁을 반영하는 것으로 보이기도 합니다.

Lucas Film | Disney

게다가 스타워즈는 세대를 넘어서는 팬들을 통합하는 문화적 현상이 되었습니다. 그 확장적인 우주, 풍부한 신화, 그리고 보편적인 주제는 40년 이상에 걸쳐 관객들을 사로잡아 왔으며, 여러 세대에 걸친 공유 경험을 제공합니다. 부모들은 자녀들에게 스타워즈에 대한 사랑을 전하며, 미국 대중문화의 필수적인 부분으로 자리잡았습니다.

AFP

스타워즈의 문화적 영향은 엔터테인먼트의 영역을 넘어섭니다. 작품의 상징적인 캐릭터들, 기억에 남는 대사, 그리고 아이코닉한 이미지들은 언어, 패션, 심지어 영적인 면에까지 미국 사회에 영향을 미쳤습니다. “May the Force he with you”와 같은 구절은 좋은 의지와 격려의 표현으로 자리잡았으며, 요다와 다스 베이더 같은 캐릭터들은 선과 악의 심벌로 자리잡았습니다..

또한 스타워즈는 책, 만화책, TV 프로그램, 비디오 게임을 포함한 스핀오프들의 번영적인 생태계를 일으켜, 그 신화를 확장시키고 팬들에게 그 우주를 심도 있게 탐험할 기회를 제공했습니다. 이렇게 다양하게 즐길수 있게 된 콘텐츠의 확산은 스타워즈가 현대 신화로서의 지위를 더욱 굳건히 하는데 일조했다고 볼 수 있습니다.

스타워즈는 고전적인 신화와 미국의 독특한 문화적 영향을 완벽하게 접목하여, 여러 세대에 걸쳐 관객들에게 잊을 수 없는 경험을 제공했습니다. 현대 신화로서, 스타워즈는 보편적인 주제를 구현하면서 미국 문화의 가치와 정신을 반영하여, 미국문화 유산의 중요한 부분으로 자리잡게 된 것입니다. 현재까지도 스타워즈는 변화를 모색하며 어쩌면 조금은 떨어진 위상을 다시 일으켜 세울 기회를 노리고 있습니다. 저 역시도 시퀄 3부작을 좋아하지 않지만, 매년 이맘때즈음엔 기분에 따라 스타워즈 한 편을 보는데요. 각자만의 방법으로 스타워즈를 즐기시길 바라며, 포스가 함께하기를.

8. 2024

[C] 스타워즈가 미국 신화인 이유

저는 일년을 무엇을 하며 시작하는지에 굉장히 집착하는 타입입니다. 마치 그것이 올 한해 저의 습관을 결정해버릴 것만 같은 느낌이 들어서입니다. 예를 들어 1월 1일에는 꼭 씻어야 1년 내내 잘 씻을 것만 같고, 같은 이유로 1월 1일에는 욕도 화도 안 내려고 합니다. 그런 저에게 올해의 ‘첫’ 무언가는 항상 의미를 부여합니다. 그래서 올해 처음으로 쓰는 포스팅을 고르는데에는 더욱 신중했고, 또 어떤 영화를 감상할지는 더욱 신중했습니다. 그렇게 고른 영화는 오즈 야스지로의 동경이야기(1953)입니다.

영화의 줄거리는 간단합니다. 나이든 부부가 도쿄에 사는 자식들을 만나러 가서 생기는 부모 자식 그리고 며느리의 이야기입니다. 자식들은 부모를 위해 쓸 시간이 없고, 오직 과부 며느리만이 노부부의 곁을 함께 합니다.

동경이야기(1953)는 죽기 전에 꼭 봐야하는 영화, 매거진 선정 100대 영화, 영대 최고의 영화하면 빠지지 않고 들어가는 영화입니다. 이유는 70년 전에 만들어진 영화임에도 불구하고 현재에도 영향을 끼치고 있기 때문이죠. 영화에서 보여주는 핵가족의 붕괴는 이렇게 설명하는 것보다 더 복잡한 개념입니다. 피로 이어진 자식들보다 피가 섞이지 않았고, 심지어 남편까지 잃은 며느리만이 자식보다 더 가족처럼 보이는 것은 유사가족의 그 시작점처럼 보입니다.

그렇다고 자식들을 욕할 수 있을까요? 영화 말미에 보면, 자식들도 개개인의 사정이 있습니다. 우리는 가족이라는 경계는 결혼을 하지 않으면 확장되지 않습니다. 그말인즉, 결혼을 하기 전까지 우리의 역할은 자식의 도리에 머물러 있죠. 하지만, 결혼을 하면 가족의 범위가 확장이 됨과 동시에 가족내에서도 다양한 역할들을 가지게 됩니다. 자식으로서의 삶, 배우자로서의 삶, 부모로서의 삶 등 마치 멀티버스처럼 퍼져나가고 그 어느 역할 하나 소홀히 할 수 없습니다.

대학교 때 교수님께서 올타임 베스트로 이 영화를 고르곤 했습니다. 그 이유는 나이가 들어감에 따라 영화를 감상하는 포인트가 달라져서 새롭게 보인다는 점이었는데요. 15년이 지난 지금에서야 그 이야기를 조금이나마 이해할 수 있을 것 같습니다.

장남이자, 남편이고, 한 아이의 아버지인 저는 올해의 시작으로 이 영화를 고르며, 어떤 느낌으로 영화가 다가올지에 대해 걱정 반 설렘 반 이었습니다. 22살의 저에게 영화는 다다미 쇼트를 내세우며 있어보이게 이야기할 수 해주는 영화였고, 27살의 저는 며느리가 미련하더라도 착한 사람으로 남고싶어 하는 것 처럼 보였고, 31살의 저에겐 부모로 부터 상처받은 적이 있는 자식들이 그나마도 노력을 하는 것 처럼 보였습니다. 그리고 37살의 저는 조금 더 복잡한 심정으로 영화를 감상했습니다.

영화를 보고나서 마치 자신이 변한 것을 실감이라도 하듯 감상이 바뀌는 것이 이 다음 감상을 결심할때의 걱정과 설렘을 동시에 느끼게 합니다. 그리고 이것이 이 영화가 가진 생명력이라고 생각합니다. 영화를 보고나서 참으로 오랜만에 이 영화를 봐서 ‘다행이다.’라고 느꼈습니다. 동경이야기(1953)를 보시고 나만의 감상을 찾아보는 것도 올 한해를 멋지게 시작하는 방법일 것같다고 말씀드리며, 올 한해 행복하시길 바랍니다.

17. 2024

[C] 동경이야기 (1953)

2023년을 마무리하는 12월의 중순을 향해가고 있는 지금이 올해의 컨텐츠를 적어보는 적기라고 생각했습니다…만. 캐나다라서 한국 방송의 트렌드를 전혀 따라가지 못 한다는 점과 이제 15개월이 될 딸을 키우고 있는 점에서 마음 따라가는 만큼 컨텐츠를 섭렵하지 못 하는 것도 사실입니다. 사실 올해 즐겼던 컨텐츠를 나열할 수 있을 정도니 말이죠. 그럼에도 나름대로 올해의 컨텐츠들을 기억해보며 간단하게 코멘트를 달아보고자 합니다.

드라마 부문

더 글로리 - 아내와 밤잠을 줄여가며 시간가는 줄 모르고 봤습니다. 2023년 전반기의 키워드는 ‘연진이’었습니다.

무빙 - 강풀의 원작을 비교해도 저는 드라마가 더 좋았습니다. 청춘물에 과거인물들의 각기 다른 ‘화양연화’를 보며 기분좋은 몽글함에 액션까지 좋았습니다.

카지노 - 디즈니 플러스를 잠시 쉬고 있는 관계로 파트1만 다보고 파트2는 남았지만, 찐한 느와르에 최민식이 나오는 드라마는 일단 합격점입니다. 하지만, 그럼에도 드라마가 진행되면서 시작한 드라마를 끝내야한다는 의무감이 생기는 것은 어쩔 수 없었습니다. 기억에 남는것은 경상도 사투리 대본이 진짜라고 감탄하며 본 것 입니다.

테드 래소 - 사람냄새가 나는 드라마입니다. 캐릭터들이 사랑스러워서 그들의 이야기를 같이 공감하다보면 마치 테라피 세션을 다녀간듯 힐링하는 기분이었습니다.

국민사형투표 - 마키아벨리아니즘. 피카레스크. 이 단어들이 요즘 드라마의 트렌드라고 생각하는데요. 그만큼 이 드라마처럼 자경단을 꿈꾸는 사람들이 많아져서지 않을까 싶습니다.

샬럿 - 올해의 마지막을 장식하고 있는데요. 브리저튼의 세계관을 더욱 견고하게 다지는 것과 동시에 브리저튼에서의 주변인물들의 서사를 잘 추가하므로써 인물들에 더욱 애정가는데요. 나이가 들면서 로맨스 장르가 더 좋아지나 봅니다.

영화 부문

길복순 - 스타일리쉬했는데, 캐릭터들이 어중간했다. 영화를 보고도 영 뒷맛이 찝찝한 느낌은 지울 수가 없었다.

[C] 2023년의 컨텐츠 결산

바비(2023)는 아내와 제가 오랜만에 예고편을 보고 영화에 대한 궁금증과 기대감을 동시에 갖게 만든 영화입니다. 예고편에서 2001 스페이스 오디세이(1968)를 패러디하는 장면과 작은 아씨들(2019)의 감독인 그레타 거윅이 연출하고 결혼 이야기(2019)의 노아 바움백이 각본을 쓴다고 하니, 그 기대감은 커져만 갔죠. 그리고 저와 제 아내의 기대는 좋은 방향으로 어긋났는데요. 2023년 최고의 흥행 영화, 바비에 대해서 이야기 해 보겠습니다.

앞서 언급한 2001 스페이스 오디세이의 패러디는 올바른 배치였습니다. 바비 이전의 인형은 아기 인형 밖에 없었고, 여자 아이들의 역할은 항상 엄마로 정해져 있었습니다. 하지만 바비가 등장하면서 여자 아이들은 다양한 역할을 할 수 있게 됩니다. 바비와 함께 멋진 친구가 될 수 있고, 원한다면 다양한 직업과 다양한 주제로 이야기도 할 수 있게 되었죠. 적어도 이것이 바비를 만들어 낸 회사 마텔이 추구한 바입니다. 여자아이들의 다양한 간접적인 역할놀이를 할 수 있게 만들어 주면서 사회적인 진출을 도왔다는 것이 회사의 업적이었죠.

하지만 실제로 인형을 통해서 느낀 진짜 여자 아이들의 마음은 회사의 기대와는 달랐습니다. 바비의 비현실적인 외모를 이상으로 내세운 성상품화, 페미니즘 운동의 퇴보, 바비와는 다른 외모로 인해 자존감 저하까지 영화에서는 직접적으로 바비의 영향이 회사가 원한대로 흘러가지 않았다고 언급하고 있습니다. 심지어 회사의 임원진들이 모두 남자였던 점도 숨기지 않고 보여줍니다. 본작에 직접 제작에도 참여한 마텔의 자기 반성적인 부분인 것을 알 수 있습니다.

그리고 동시에 우리가 몰랐던 켄에 대해서도 이야기를 하는데요. 바비가 항상 관심과 지원을 받는 동안 켄은 그냥 켄으로 남아있었습니다. 켄의 탄생배경이 이미 바비에게 남자친구가 필요해서 였으니, 켄은 바비 옆을 지키는 역할만을 위해 존재해왔죠. 그리고 이런 켄이 현실을 만나며, 마치 자신의 존재의 이유를 찾은 것처럼 행동하지만 사실은 그렇지 않았습니다. 이 또한 바비에게 인정받고 자신의 자리를 찾기 위한 행동이었을 뿐 어떤한 것도 자신을 위한 진정성이 없었습니다.

그리고 영화는 바비처럼 완벽하지 않아도 되고, 켄처럼 목표를 상실하더라고 괜찮다고 이야기합니다. 이 영화가 페미니즘 영화인가 라는 질문이 잘못된 질문이라는 것이 여기있습니다. 이 영화는 결코 여성만을 위한 영화가 아니기 때문이고, 자아성찰에 대한 질문은 바비와 켄 모두에게 해당되기때문이죠. 우리는 혼란의 시대를 살고있고, 스스로를 잘 모르기때문에 타인과 부딪히게 됩니다. 이렇게 힘든 시대일수록 남들의 이야기를 듣는것보다 자신 내면의 목소리에 더욱 귀를 기울이고 소중히 여겨야 한다는 것을 보여줍니다.

뮤지컬에 블랙코미디까지 곁들여진 이 재밌게 이상한 영화를 완성시킨 방점은 배우들의 연기라고 이야기 할 수 있습니다. 평범한 바비 캐릭터는 마고 로비의 다양한 필모그래피에서 할리 퀸과 더불어 그녀를 대표할만한 캐릭터로 자리 잡을 것입니다. 하지만 영화에서는 라이언 고슬링이 너무나도 눈부신 활약을 했습니다. 정체성에 혼란이 오고, 동시에 맹하면서도 비호감이 캐릭터를 연기해야하지만, 밉지는 않게 만들어야하는 켄 케릭터를 완벽하게 해냈습니다. 감히 예상컨데, 시상식 시즌이 오면 남우조연상 후보에 오르는 것은 물론 수상까지도 가능하다고 생각합니다.

영화를 보고나니 영화관에서 보지 못 한 것이 아쉽다고 생각이 들었습니다. 하지만, 어떤 방식으로든 아내와 같이 영화를 보고 함께 이야기를 나눌수 있어서 행복하다고 생각한 영화인데요. 그리고 영어 공부를 열심히 해야겠다는 마음가짐을 상기시켜주기도 했습니다. 이렇게 저의 바벤하이머 여정에 마침표를 찍을 수 있게 되었습니다. 묵직한 질문을 가볍게 그리고 재밌게 잘 전달해 낸 영화, 바비(2023)였습니다.

[C] 바비 (2023)

최근의 화제작은 디즈니 플러스 오리지널 드라마인 강풀 웹툰 원작의 무빙(2023)일텐데요. 드라마를 보고있으면, 생각나는 영화들이 몇 편있습니다. 스파이들이 사회에 녹아들어 숨어산다는 이야기는 일본영화 거북이는 의외로 빨리 헤엄친다(2005)를 떠올리게 하고, 절절한 로맨스를 보고있자면 화양연화(2000)에 비견할 먹먹함이 느껴지기도하죠. 그리고 전혀 예상치 못 하게 폭력의 수위가 높은 점과 초능력자 부모들이 그들의 자식들은 본인들과 다른 삶을 살았음 좋겠다는 점을 시사하는 점에서는 오늘의 포스팅인 영화, 로건(2017)이 생각납니다.

줄거리는 이렇습니다. 뮤턴트들이 점차 사라지고 남은 뮤턴트들 마저도 그 능력을 잃어가는 가까운 미래에, 자비에 교수는 울버린에게 그를 닮은 소녀 로라를 지켜달라는 부탁을 합니다. 울버린은 정체 불명의 집단으로부터 소녀를 지켜내는 과정에서 그가 잊고있었던 감정을 다시금 떠올리게 됩니다.

데드풀3에서 한 번 더 울버린으로 돌아올 예정이지만, 로건은 현재까진 휴 잭맨의 마지막 울버린 영화입니다. 그가 울버린으로써 분하는 9번째 영화이며, 한 배우가 하나의 캐릭터를 연기한 17년의 종지부를 찍는 영화였습니다. 9번째 영화라는 말인즉, 그가 처음으로 관객에게 울버린의 모습을 비춘 ‘X-Men (2000)’에서부터 ‘X-Men Original 트릴로지,’ ‘X-Men Prequel 트릴로지’ 그리고 이번 영화를 포함한 ‘Wolverine 트릴로지’까지 ‘X-Men’프랜차이즈에 단 한 번도 빠진 적이 없다는 이야기가 됩니다. 다크피닉스(2019)는 로건 개봉 이후 이므로 논외로 칩니다. 절대 영화가 구려서가 아닙니다. 이는 배우 본인이 시리즈와 캐릭터에 큰 애정을 가지고있는 만큼, 그의 마지막 울버린 영화는 지난 8편의 프랜차이즈에서는 보여주지 못 했던 캐릭터의 다른 모습을 보여주는 데에 집중했고, 제목인 로건인 이유 역시 영웅 울버린이 아닌 인간 로건에 더욱 무게를 두고 있음을 보여주는 부분입니다.

인간 울버린을 보여준다고해서 액션이 빈약한 것은 전혀 아닙니다. 오히려 액션의 강도는 지금까지의 어떤 ‘X-Men’프랜차이즈보다 강렬하고 또 차별성을 두고 있습니다. 이 영화의 액션을 한마디로 이야기하자면 피냄새가 나는 액션입니다. 유혈이 낭자하고 무거운 액션은 이 영화를 R등급을 받게 만들기 충분했습니다. 하지만 로건은 요즘 헐리우드에서 만연하는 자극적인 볼거리만을 위해서 피비린내나는 액션을 차용한 것이 아닙니다. 이미 다른 ‘X-Men’영화들과 비교해보자면, 보통 ‘X-Men’영화들에서 보여주는 액션은 소위 블록버스터가 응당 가져야하는 큰 스케일의 액션이었습니다. 예를 들어, 피라미드를 부순다거나 거대 로봇들의 싸움을 예로 들 수 있겠습니다.

이런 액션들은 영화에서 스토리에 크게 개입하지않는 액션들입니다. 다시 말해, 액션의 강도가 달라진다 한 들 관객들이 스토리에 몰입하는 정도가 달라지지는 않는다는 이야기입니다. 그러나 로건에서의 액션은 그가 지금까지 살육의 현장을 살아왔고 또 그 죄의식을 짊어지고있음을 강조하기 위함입니다. 즉, 액션의 강도가 강해지면 강해질 수록 관객들은 더욱 캐릭터에게 몰입하고 연민을 느끼게됩니다. 이렇듯 폭력에 지친 울버린이 누군가를 지켜내기위해 다시금 폭력의 현장에 뛰어드는 것을 보고있으면, 그 의미가 이해되기에 영화의 마지막에 가서는 더욱 가슴이 뭉클해짐을 느낄 수 있습니다.

로건의 액션이 밀접하게 연결되는 키워드는 가족애입니다. 늙은 자비에 교수, 나이든 로건, 그리고 11살의 어린 로라까지 세 사람을 보면 피로 얽힌 가족은 아니지만 충분히 가족구성원으로써의 역할을 하고있습니다. 자비에 교수는 로건이 지독하게 싸워온 죄책감과 고독감으로부터 이겨낼 수 있게 다독이며, 로건은 늙고 병든 자비에 교수를 어려운 상황에서도 간병을 하며 외부세계로부터 지켜내고 있습니다. 또 자비에 교수는 X-Men의 지도자다운 지혜를 로라에게 가르치며, 로라는 아버지 같은 로건 그리고 할아버지 같은 자비에 교수 두 사람을 잘 따릅니다. 로라를 지켜내는 여행 동안 쌓은 그들 세 명의 유대감은 관객이 액션에 당위성을 부여하게끔 합니다.

그러나 영화는 액션에 당위성을 부여할지언정 폭력에는 당위성을 부여하지않습니다. 영화 속의 영화로 나왔던 ‘Shane (1953)’의 마지막 대사처럼 폭력은 돌이킬 수 없는 것임을 보여줍니다. 즉, 유혈이 낭자하는 폭력은 오히려 폭력은 정당화가 될 수 없음을 반증하며 영화 전체를 아우르는 메세지로써 작용을 합니다. 로건은 그가 걸어온 폭력의 인생을 어린 로라가 되풀이하지 않기 바라는 아버지와 같은 마음을 담아 로라에게 진심어린 조언을 해줍니다. 이는 지금의 세대가 다음의 세대에게 조금 더 나은 삶을 살 수 있기를 바라는 희망을 담아서 주는 쓰지만 약이 되는 교훈인 것입니다.

‘X-Men’의 세계관을 관통하는 차별받는 소수자들의 정서는 이번 영화에도 고스란히 남아서, 세계평화를 위해 싸웠던 울버린이 아닌 가족을 지키기 위한 로건의 분노로 표출됩니다. 로라로 대변되는 다음 세대에게까지 자신이 겪었던 불평등과 분노를 물려주지 않기 위한 로건의 고군분투는 숭고하기까지 합니다. 로건은 요즘에 세계관 넓히기와 캐릭터의 능력만을 보여주는 데에 급급한 수퍼히어로영화가 소모품적인 블록버스터가 아닌 한 편의 웰메이드 영화로써의 품격을 가질 수 있음을 보여주며, 17년간 관객들에게 멋진 액션을 선사했던 휴 잭맨의 울버린을, 인간 로건에게 뜨거운 안녕을 보낼 수 있게 해주는 멋진 영화입니다.

[C]로건 (2017)

우울증을 대표하는 영화를 꼽는다면 1초의 망설임도 없이 라스 폰 트리에의 멜랑콜리아(2011)를 이야기하겠습니다. 이 영화를 단순히 소행성이 지구에 충돌할 위기를 그린 SF재난 영화라고 소개를 하기엔, 딥 임팩트(1998)나 아마겟돈(1998)과는 재난을 다루는 방식이 너무나도 다르기도하죠. 문제적 감독이 그린 어둡지만 아름다운 영화, 멜랑콜리아(2011)에 대해 이야기 해보겠습니다.

1부는 저스틴에 대한 이야기입니다. 저스틴은 우울증을 앓고 있습니다. 그녀의 우울증에 대한 원인을 짐작할 수 있을만한 이야기들이 나오지만, 영화는 그녀의 가족 문제, 직장 문제 그 어떤 것들도 우울증의 원인이라고 이야기하지 않고 있습니다. 우울증을 겪는 사람을 표현하는 것, 그것이 영화 1부가 관객들에게 보여주려는 것이기 때문이죠. 가장 “행복”해야할 결혼식을 1부의 배경으로 설정한 점이 역설적으로 저스틴의 우울증을 더욱 잘 보여줍니다.

프로이트의 말을 빌리자면, 타인에 대한 공격성을 표출하지 못 하기때문에, 그런 공격성이 자신을 향하게 된다고 하는데요. 이것이 인간의 기본 욕구인 공격 욕구가 자기 파괴 욕구로 전환되는 이유라고 했습니다. 그리고 이 자기 파괴 욕구는 우울증의 대표적인 증상입니다. 자기 파괴에 목적은 무엇일까요? 자신 안에 밀려오는 우울감을 잠시나마 떨쳐낼 수 있다는 데에 있겠죠. 저스틴을 통해 영화에서 보여주는 증상들은, 섭식장애, 알코올 남용, 성 중독 등이 나옵니다. 이 밖에도 자해와 약물중독 등이 있고, 자기 파괴 행동의 마지막은 자살시도로 이어집니다.

이드, 자아 그리고 초자아. https://practicalpie.com/psychoanalytic-theory-of-personality/

영화의 2부는 클레어에 대한 이야기입니다. 1부가 우울증을 겪는 사람을 보여줬다면, 이번에는 보통 사람이 다가오는 우울증을 받아들이는 모습을 보여줍니다. 영화의 제목이자 지구로 다가오는 소행성의 이름이 멜랑콜리아인 이유도 여기에 있습니다. 지구, 즉 사람에게 점점 더 다가오는 소행성 멜랑콜리아, 즉 우울증인 것이죠. 클레어는 이성적이고 정상적인 사고를 하는 사람입니다. 그러나 지구 종말이 다가오면서 이를 받아들이지 못 하고, 극도로 불안해하고 초조해하는데요. 영화에서 소행성이 궤도를 빗겨나갈 것이라는 과학자들의 말도 이미 그녀의 귀에는 들리지 않습니다.

2부에서의 저스틴은 점점 무너져가는 클레어와는 다르게 너무나도 초연한 모습니다. 저스틴에게는 죽음의 무게가 그리 무겁지 않아서일 수도있고, 혹은 우울증도 그녀의 일부라고 받아들여서일 수도 있습니다. 밤에 홀로 나체로 누워 온전히 푸른빛으로 내리쬐는 우울감으로 마치 샤워라도 하는 모습은 영화 속에서 제가 가장 좋아하는 장면입니다. 이는 우울증은 달빛처럼 어디에나 존재하는 것이니 우리는 이를 피하는 것이 아니라 받아들여야한다는 것을 이야기하는 감독의 연출로 보입니다.

커스틴 던스트가 64회 칸 영화제에서 여우주연상을 수상하며 그녀의 연기를 인정받았지만, 클레어를 연기한 샤를로트 갱스부르의 연기도 동시에 대단하다고 생각합니다. 커스틴 던스트가 보여준 우울증의 차가운 부분을 연기한 것과 상반되게, 샤를로트 갱스부르는 우울증을 받아들이는 인간의 불안감의 뜨거운 온도를 연기했는데요. 보통의 관객들에게 더 설득력있게 전달해 낸 배우에게 찬사를 보내고 싶습니다.

인간은 누구나 나약하고 불안정하고 취약한 부분이 있습니다. 바로 오늘까지만해도 평범하게 웃고 있던 사람도 내일 갑자기 우울증에 걸릴수도 있습니다. 원인을 알 수 있다면 해결하면 되지만, 경험상 놀랍게도 우울증은 이유도 없이 왔다가 본인도 모르게 사라집니다. 그렇기때문에 감독이 보여주는 거대한 멜랑콜리아라는 소행성이 지구에 언제 부딪힐지 모르는 세계가 더 공감되는 것 같습니다. 우울해도 괜찮으니 그 감정을 쳐내려하지말고 받아들이고, 인정함으로써 극복해낼 수있다는 것이 저의 생각입니다. 하루에 한 번 작게나마 웃을 수 있다면, 그걸로 충분하다고 말이죠. 이상 멜랑콜리아(2011)였습니다.

23. 2023

[C] 멜랑콜리아 (2011)

크리스토퍼 놀란이 테넷 이후 3년만에 그의 첫 전기영화로 돌아왔습니다. 원자폭탄의 아버지라 불리는 J. 로버트 오펜하이머의 업적, 그가 겪었을 죄책감, 그리고 맥카시즘의 희생양까지 담고있는데요. 오랜만에 영화관에서 영화를 본 저의 경험과 영화에 대한 개인적인 생각들을 공유하고자 합니다.

먼저 7개월만의 극장나들이었습니다. 마지막으로 극장에서 본 영화는 아바타:물의 길(2022)이었는데요. 크리스토퍼 놀란이 연출한 영화는 다크 나이트(2008)부터 계속 극장에서 아이맥스로 관람해 왔기 때문에, 이번에도 극장 관람을 놓치고 싶지 않았습니다. 그리고 이런 저를 잘 이해해주는 자애로운 아내의 허락하에, 캐나다에서 6곳에서만 상영하는 아이맥스 70mm 필름으로 영화를 보고왔습니다. 아니 영화로 샤워를 하고 왔습니다. 아이맥스가 뿜어내는 문자 그대로의 몸이 떨릴만한 굉음과, 마치 관객을 덮칠듯한 거대한 스크린에 압도되어 3시간을 보냈는데요. 놀란 감독의 다른 영화와 마찬가지로, 이 영화 역시 최대한 큰 스크린, 큰 사운드로 영화를 체험하기실 바랍니다.

이 영화의 원작인 아메리칸 프로메테우스라는 오펜하이머 평전의 제목처럼, 오펜하이머의 업적과 개인사의 명암을 다루고 있습니다. 흑백과 컬러를 오가는 연출이 재밌는데요. 흑백은 스트라우스의 관점에서, 컬러는 오펜하이머의 관점에서 영화를 진행하고있습니다. 메멘토에서 단순히 다른 시간을 표현하기위해 흑백과 컬러의 차이를 둔 것과는 달리, 관점에 따라 화면의 색감을 달리함으로 크리스토퍼 놀란다운 편집을 보여주는데요. 크리스토퍼 놀란답게, 전기영화임에도 시간순서대로 영화가 진행되지 않습니다만 영화 곳곳에 영리하게 클라이맥스가 배치되어 있고, 영화적 쾌감을 선사하며 3시간이 전혀 지루하게 느껴지지 않습니다.

이 영화는 원자폭탄의 개발과정과 그 성공을 보여주는 블록버스터가 아닙니다. 만약 일반 블록버스터를 연출하는 감독이 비슷한 주제의 영화를 만들었다면, 개발과정의 어려움 이후 성공에서 오는 쾌감을 보여주기위한 연출을 했을 것입니다. 예를 들면, 마이클 베이 스타일의 애국심+폭발효과를 버무려 폭탄자체가 더 부각된 그런 영화가 됐겠죠. 하지만 놀란은 폭발 장면을 굉장히 건조하게, 그 위력을 실감하게 연출해냈습니다. 그리고 이런 연출을 함으로써 개발 성공의 기쁨과 죄책감을 동시에 담아낼 수 있었죠. 이런 전달이 가능했던 것은 배우들의 열연에 많은 빚을 지고 있습니다.

이 사람도 나와? 라고 생각되는 배우들의 앙상블이 펼쳐지는데요. 킬리언 머피와 로버트 다우니 주니어는 단언컨데 아카데미 주연, 조연 최종 후보에 오를만한 연기들을 보여줍니다. 마블 시리즈에 가려서 로다주가 얼마나 연기를 잘하는 배우인지 잠시 잊고 있었는데, 채플린(1992)과 키스 키스 뱅뱅(2005)때를 떠오르게 만드는 퍼포먼스를 보여줍니다. 극을 이끌어 가는 주연으로서의 킬리언 머피는 복잡한 인물을 잘 연기해냅니다. 인물의 다양한 면을 설득력있게 보여주려면 배우가 관객들에게 공감을 이끌어낼 수 있는 연기가 중요한데 이를 잘 해내고있습니다. 특히 아이맥스 카메라가 킬리언 머피를 클로즈업한 순간마다 인물이 겪는 고뇌가 깊게 패인 눈으로 다 전달이 되는 것만 같았습니다. 이 밖에도, 이 포스팅에 다 담지 못 할만큼의 유명/대단한 배우들이 곳곳에서 열연을 펼치는데요. 저는 크레딧이 올라갈때, 저 사람도 나왔어?!라고 할만큼 미쳐 발견하지 못 한 배우들도 있었어서, 배우를 찾는 것도 이 영화를 즐기는 또 하나의 방법이라고 생각합니다.

왜 크리스토퍼 놀란은 21세기에 그것도 논란의 인물에 대한 전기영화를 만들려고 한 것일까요? 인간에게 불을 가져다 주고 처벌받는 프로메테우스처럼 오펜하이머는 나치척결에서 전쟁 종결이라는 대의를 위해 원자폭탄을 세상에 가져다 주고 그 결과를 두려워하며 스스로를 끊임없이 처벌하는 모습을 보여주는데요. 정부에 규제를 요청해도 1950년대의 맥카시즘에 의해 그리고 그를 적대한 인물들에 의해 그가 폭탄을 만들었을 때의 대의조차 의심받게 되죠. 혼란스러운 인물의 감정과 시대를 따라가다보면, 그 시대를 반면교사로 삼아 21세기의 우리는 달라야한다는 느낌을 받습니다. 과학이 우리에게 주는 힘이 더 강하고 더 빠르게 다가오는 만큼, 역사를 되풀이 하지 않을 정부의 규제가 동반되어야한다는 것이죠.

Mark Sommerfeld for The New York Times.

북미에서는 ‘바벤하이머’라는 신조어를 탄생시키며, 같은날 개봉한 바비(2023)와 함께 엮어서 여러가지 밈을 만들어내며 두 영화는 이번 여름 관객들에게 여러방면으로 즐길거리를 제공하고 있습니다. 두 영화를 하루에 연달아 보는 더블 피쳐 챌린지가 유행하기도 하며 개봉 첫주 두 영화 모두 좋은 성적을 거두고 있는데요. 오랜 둥지와도 같은 워너 브로스를 떠나 유니버설과 처음으로 작업한 크리스토퍼 놀란과 워너 브로스에서 내놓은 바비가 함께 엮이는 것을 보고있는 것도 재밌는 광경이라고 생각합니다.

Unofficial satirical poster designed by English graphic artist Sean Longmore, commissioned by Layered Butter magazine.

최대한 넓은 스크린, 강렬한 사운드와 함께 감상하길 바라며 ,마치 크리스토퍼 놀란이 직접 읽어주는 J. 로버트 오펜하이머의 전기같은 느낌의 영화, 오펜하이머(2023)였습니다.

[C] 오펜하이머 (2023)

이 영화를 어떤 수식어로 소개하면 좋을지 생각하면 할 수록, 저는 한 문장밖에 생각이 나지않았습니다. 2016년 최고의 영화, 라라랜드(2016)입니다.

줄거리는 매우 간단합니다. 전통 재즈바를 열고싶어하는 세바스찬이 배우를 꿈꾸는 미아를 만나 사랑에 빠집니다. 영화는 그들의 사랑, 꿈에 대한 열정, 그리고 현실을 이야기합니다.

위플래시(2014)로 색다른 음악영화를 선보였던 데미안 샤젤이 또 다른 음악영화를, 그것도 뮤지컬 장르로 돌아왔고 그의 두번째 장편 영화입니다. 뮤지컬 장르라고 하면 1940-60년대에 흥행했었지만, 그 이후에 잊혀져있다가 2000년대에 이르러 물랑루즈(2001)와 시카고(2002)로 다시 우리곁으로 돌아온 장르입니다. 이 두 작품은 고전 뮤지컬 장르가 낭만적인 느낌을 가졌던 것과는 다르게, 시니컬하고 풍자적인 느낌을 보여주었죠. 반면 라라랜드(2016)가 가지는 차별성은 영화의 주제는 현대적임에도 불구하고, 주제의 시니컬함을 고전 뮤지컬 장르가 가지고있던 낭만으로 표현해냈다는데 있습니다.

영화를 표현하는 방식 또한 고전 뮤지컬 영화의 제작방식을 사용하고 있습니다. 영화가 시작될 때 제작사의 로고가 4:3의 화면비율에서 2.55:1의 시네마스코프로 전환됨과 동시에 L.A.의 삭막한 고속도로 오프닝씬이 펼쳐집니다. 시네마스코프는 가로가 극단적으로 긴 화면비율로, 고전 뮤지컬 영화들이 거대한 스케일을 표현하기위해 쓰였던 화면 비율입니다. 시네마스코프가 가지는 웅장함과 고속도로 위에서 펼쳐지는 신나는 군무는 이 영화가 어떤 테마를 가지고 있는지를 확실하게 보여줍니다. 영화가 낭만적이게 표현되는 데는 색감 또한 빼놓을 수 없습니다. 그랜드 부다페스트 호텔(2014)에서도 선보였던 고전 영화에서나 볼 수 있었던, 인위적이지만 아름답고 강렬한 색감이 영화 전체를 낭만으로 휘감습니다.

라라랜드(2016)가 뮤지컬 영화이기때문에 음악은 더 할 나위없이 중요한 요소입니다. 한 영화에서 두 곡의 음악이 아카데미 시상식에 후보로 올라 주제가인 City of Stars가 수상했죠. 엠마톰슨의 독백이었던 Audition도 영화의 분위기를 대변하고, 인물들의 관계를 대변하고, 또 나아가 관객들까지도 대변합니다. 관객들을 대변한다는 말은 조금 더 설명하자면, 관객들이 이 영화의 주제가들을 들었을 때에 그들은 영화로부터 받았을 저마다의 다른 감정으로 스스로를 되돌아볼 수 있을 것 같다는 말입니다. 이는 곧 영화가 주는 주제와도 연결되어있습니다.

라라랜드(2016)는 관객이 두는 가치관이 어디있느냐에 따라 영화를 받아들이는 느낌이 다를 것 입니다. 누구는 이 영화를 예쁜 영화로 기억할 것이고, 누구는 꿈을 이루는 성장 이야기로 기억할 것이고, 누구는 그들의 옛 사랑을 돌이켜 볼 것이고, 또 누구는 예술과 현실이 양립할 수 없는 슬픔을 기억할 것 입니다. 저는 예술이 가지는 의미에 대한 영화로 기억할 것 같습니다. 이 영화에서 중요한 대사 중에 ‘Not much to look at, huh?’ ‘I’ve seen better’란 대사가 있습니다. 이 대사들은 주인공들이 야경이나 관광명소와 같은 곳에서 주고 받는 대사들입니다. 대사가 끝난뒤에는 춤을 추고 노래를 부릅니다. 그리고 그 순간부터 너무나도 아름다운 예술이 펼쳐집니다. 즉, 공간을 아름답게 꾸미는 것은 공간 그 자체가 아닌 그 안에 함께있는 무언가가 공간을 아름답에 만든다는 것 입니다. 우리는 간혹 여행을 갔을 때, 관광명소를 발도장 찍듯이 가는 경우가 있습니다. 중요한 것은 우리가 무엇을 보고있는 것이 아니라, 어떤 감정으로 누구와 함께 이 장소의 기억을 공유하느냐 입니다.

저는 이 영화의 에필로그는 최고의 엔딩씬 중 하나로 영화관에서 받았던 그 따듯하지만 서늘한 감정을 평생 잊지 못 할 것입니다. 낭만에 대하여, 라라랜드(2016)였습니다.

[C] 라라랜드 (2016)

애플티비 플러스가 2019년에 런칭한 이후 많이 듣던 이야기가 킬러 컨텐츠가 없다는 것이었습니다. 존 패브로, M. 나이트 샤말란, 그리고 스티븐 스필버그까지 이름있는 제작자들을 전면에 내새우며, 오리지널 컨텐츠로 승부를 보겠다고 단언했지만, 소문난 잔치에 먹을 것 없다는 반응이 대다수였습니다. 그러다 코로나가 한창이던 2020년, 얼어붙은 사람들의 마음을 따듯하게 해주는 코미디가 애플티비 플러스를 통해 공개되고, 입소문을 타며 결국은 프라임타임 에미상 최우수 코미디 시리즈를 2년 연속 수상하기에 이릅니다. 미국의 미식축구 감독이 영국 프리미어리그 감독을 맡으며 생기는 인간미 넘치는 코미디 시리즈, 테드 래소(2020)입니다.

코치 래소라는 캐릭터가 만들어진 것은 2013년입니다. NBC스포츠가 프리미어리그 중계를 광고하기위해 만든 스케치영상이 그 첫 모습이었습니다. 이 캐릭터의 아이디어를 가지고와서 다듬고, 인간미를 많이 추가해서 지금의 테드 래소가 있는 것이죠. 이 쇼가 가지는 힘은 선량한 캐릭터들의 진심어린 행동들이 가져오는 긍정의 에너지입니다. 긍정 그 자체인 코치 래소가 주변인들을 어떻게 변화시켜 나가는 지를 보는 것이 이 쇼의 재미입니다. 쏟아져나오는 마키아벨리아니즘적인 컨텐츠들 사이에 착한 캐릭터들의 인간미 넘치는 에피소드들이 코로나라는 시기와 맞물려 사람들에게 위안거리를 제공해 준 것이죠.

농담 반 진담 반으로 이야기하자면, 테드 래소의 코칭 스타일은 제가 추구하는 리더십에 가깝습니다. 팀을 믿고 좋은 바이브를 전달하면, 그들 역시 나의 진심에 같은 마음으로 보답해 줄 것이라고 믿는 것입니다. 이런 호의가 이용당할 수도 있을 겁니다. 하지만, 팀 전체가 저의 호의를 착취할거라고는 생각하지 않습니다. 그렇기에 이런 마음을 이용하는 몇몇 사람들도 결국은 저의 진심, 나아가 팀에 동화되면 같은 마음으로 보답해 줄 거라고 생각합니다.

제가 요즘들어서 더욱 이런 생각을 하는 이유는 최근에 이직한 회사의 상사가 이런 리더십과는 정반대의 리더십 마인드를 가지고 있어서일 겁니다. 제 보스에 대해서 간단히 이야기하자면, 아랫사람을 일을 하지않으니 항상 감시하고, 그들에게 업무를 상기시키며 분단위의 체크리스트가 필요하고, 이를 성실히 이행하지 않을시 책임을 묻겠다는 주의입니다. 이런 리더십이 필요할 때도 있을거란걸 알기에 저는 그가 틀렸다고 이야기하지 않습니다. 다만 저와 다른 방향성에 제가 조금 지칠뿐이죠 하하

The White House. Ted Lasso Cast visits the White House.

우리는 어느샌가 잘해주면 호구잡힌다는 마음을 가지고 있습니다. 우리나라를 비롯해 전 세계는 더욱더 이분법적으로 나뉘었고, 모두가 모두를 미워하며 증오만 더해가고 있죠. 그렇기에 더더욱 테드 래소(2020~)와 같은 긍정의 힘을 보여주는 쇼가 중요하다고 생각합니다. 우리 내면 깊숙한 곳에 상처받을까 두려워꺼내지 못 하고있는 선량함이 보답받는 순간을 허구의 이야기로나마 경험한다면, 우리는 조금 더 용기를 내어 선량함을 꺼내보일 수 있을 것이라고 생각합니다. 인간미가 넘치는 에피소드로는 시즌1의 3화, 시즌2의 4화, 시즌3의 6화, 7화가 있겠습니다. 캐릭터들을 모른다고 하더라도 이 에피소드들은 충분히 재밌게 즐길 수 있을 것입니다.

어떤 이들은 이런 긍정이 보기 힘들수도 있습니다. 재미가 없다, 사실적이지 않다, 손발이 오그라든다. 그래도 괜찮습니다. 그들이 이 쇼를 거부한다고 그들안에 있는 긍정의 에너지를 거부하는 것은 아닐테니까요. 하지만, 언젠가 마음이 빈것과 같은 헛헛함을 느껴서 따듯함을 재충전하고 싶다면, 테드 래소(2020~)는 충분히 그 역할을 해 줄 것입니다.

[C] 테드 래소(2020~2023)

변하지 않은 그들이 반갑다. Paramount.

초등학교에서 중학교로 진학할 때 즈음에 인터넷이 발달하며, 당시에는 엽기’라는 단어가 유행했었습니다. 그리고 남학생들 사이에서 마치 전설처럼 퍼지던 영화가 있었죠. MTV가 생소했던 한국의 2000년대 초, 잭애스(2002)는 그렇게 남학생들의 입소문만으로 인지도를 쌓고 있었죠. 친구의 방에 다같이 모여, 한 시간 반 동안 가학적이고 더럽고 멍청한 짓들만 골라하는 조니 낙스빌과 그 일행들을보여 얼굴은 찌푸리지만 키득거리며 재밌어했죠. 그리고 20년이 지나 살아있는 원년 멤버와 새로운 멤버들을 데리고 잭애스의 4번째 영화를 기어코 만들어 냈습니다.

오프닝의 귀여운 괴수와 조니 낙스빌.

이 영화의 오프닝은 제가 최근에 보았던 어떤 영화의 오프닝보다 기발했습니다. 혹시라도 잭애스 시리즈를 모르는 사람들이 본다면, 당장에 꺼버리고 싶게 만드는 그런 오프닝이죠. 성기를 괴수로 꾸며(?)놓고 잭애스 마을을 쑥대밭으로 만듭니다. 잭애스 크루가 어떤 놈들이었는지를 잊고있다가도, 단번에 기억을 해내게끔만드는 그런 오프닝입니다. 이들은 자칭, 타칭 수탕나귀=멍청이, 얼간이들입니다.

권투펀치보다 더 아파보이는 것이 영화 안에 있다. Paramount.

시리즈의 4번째를 맞이하는 이들이 보여주는 스턴트들은 황소에게 부딪히기, 가축의 정액 마시기, 급소 보호대 테스트 등 그들이 이전에 했던 스턴트들의 반복이 많습니다. 새로운 멤버들이 있지만, 거기서 신선함을 찾기는 어렵습니다. 하지만, 제가 생각하는 잭애스 포에버(2022)의 메세지는 새로움을 보여주는 것이 아닙니다. 시간이 지나고, 머리가 희끗희끗한 아저씨가 되어서도 변하지 않는 멍청한 이들을 보여주는 것이 이 영화가 주는 감동입니다.

거짓말하면 전기충격주기. 하지만, 이것마저도 더 큰 장난을 위한 큰그림이었다. Paramount.

나이가 들면서 자연스레 책임감은 더 많아지고 사회로부터 기대감이라는 것에 익숙해져가는 요즘, 어른이 되어야만한다는 마음에 가슴 한켠이 어딘가 답답하고 억눌러진 것만 같은 느낌이 들때가 있습니다. 아이가 벌써 6개월이 되고, 저와 제 와이프의 하루를 재단하는 기준은 더이상 몇시 몇분이 아니라, 아이가 밥 먹은지 몇시간이나 지났는지 잠은 얼마나 잤는지와 같이 아이의 루틴으로 시간을 계산하게 됩니다. 우리 부부도 일탈을 많이 했고 함께 소위 미친짓들도 많이 했었는데, 이제는 예전과 같이 계획없이 훌쩍 떠나거나 무모하게 도전을 할 엄두가 안 납니다. 그래서인지 20년이 지나도 변함없이 무모하게 스턴트를 해내는 잭애스 크루들은 보고있으면, 어딘가 모를 대리만족이 느껴집니다.

절묘하게 포스터에서 잘라냈다. Paramount.

친구들과 최근의 대화 중, 어딘가 모를 답답함에서 오는 스트레스는 어떻게 풀 수 있을지에 대해 이야기하다가 문든 ‘멍청한 짓’을 해야한다가 해결 방법중 하나로 나왔었습니다. 일차원적이고 남들에게 이해받지 못 할지언정, 내가 단순히 하고 싶어서 재밌을 것 같아서 하는 그런 멍청한 짓 말입니다. 영화에서 나오는 그런 극한의 체험은 아니더라도, 우리가 일상에서 해낼수 있는 혹은 남들 눈에는 해내지 못할것이라고 생각되는 아슬아슬한 그 선에 있는 그런 영웅담같은 멍청한 짓을 영화를 보며 잠시나마 꿈꿀수 있었습니다.

함께해서 행복한 이들. Paramount.

Some people never learn. 어떤 사람들은 배우지 않는다. 나이를 먹으며 변해버린 본인과 달리 여전히 변하지 않은 그들을 보며, 얼굴을 찌푸리며 holy sh**이라고 얘기하지만 동시에 고마운 감정이 들었습니다. 50대가 되어서도 여전히 황소에게 들이받아서 날아가는 조니 낙스빌을 보며, 이제 30대 후반으로 들어서는 내가 못 할 멍청한 짓이 어딨겠느냐고 반성과 다짐을 했습니다. 술안주로 철없던 시절을 이야기하며 그 때의 기행을 떠올리며 키득거릴 수 있는 친구들이 있어 행복하다고 생각하며 언젠가 다같이 할 우리의 멍청한 짓을 기약하며 영화 잭애스 포에버(2022)였습니다.

2023.03.28 작성

[C]잭애스 포에버(2022)

2000년에 상상하던 2022년은 이미 이럴 줄 알았다?! 감성충만 세기말 감성의 에니메이션 CYBER FORMULA!

유튜브 알고리즘의 어택은 무섭다. 

이 중에서 SIN만의 마무리는 

[S] CYBER FORMULA - SIN

"오징어 게임"은 한국의 넷플릭스에서 제작된 드라마 시리즈로, 한국의 대표적인 전통 놀이인 "동서패"를 모티브로 만들어진 작품입니다. 이 드라마는 456명의 참가자들이 돈을 노리고 생존을 건강한 놀이를 하며 참가자들의 이야기를 그리고 있습니다.

각 에피소드에서는 참가자들이 서로를 제거하며 최후의 생존자가 될 때까지 서로의 승부가 계속됩니다. 놀이의 룰을 따르는 동안 참가자들은 불공평함, 배신, 인간관계, 가난과 부의 격차, 그리고 인간 본성과 같은 다양한 테마를 탐구합니다. 이 드라마는 인간의 본성과 인간관계를 다루면서 돈을 노리는 참가자들의 모습을 그리고 있습니다.

이 드라마는 극적인 스토리 라인, 박진감 넘치는 액션, 예상치 못한 전개로 시청자들에게 많은 호흡을 선사합니다. 또한, 캐릭터들은 다양한 배경과 인물을 가지고 있으며, 각각의 캐릭터는 다른 사람들과 관계를 맺으며 인간적인 감정을 나타냅니다.

이 드라마는 이야기가 복잡하고 인간적인 감정들을 묘사하기 때문에 시청자들은 각 에피소드를 시청할 때 집중력이 필요합니다. 또한, 이 드라마는 잔인한 장면이 많이 등장하기 때문에 일부 시청자들은 불쾌감을 느낄 수도 있습니다.

전반적으로 "오징어 게임"은 뛰어난 스토리, 액션, 연기, 캐릭터 묘사 등의 요소가 어우러져 매우 재미있는 드라마입니다. 이 드라마는 인간 본성과 돈에 대한 욕망을 생각해보게 되며, 흥미로운 인간관계와 다양한 감정들을 경험할 수 있습니다. 추천합니다.

https://chat.openai.com/chat 에서 캡쳐한 원본

한국 작품도 리뷰를 시켜보고 싶었습니다. 제가 리뷰한 영화 중 8월의 크리스마스(1998), 휴일(1968), 바보들의 행진(1975) 등을 각각 6번을 시도해 보았지만, 단 한번도 영화의 내용이나 디테일을 묘사하는데 실패하는 모습을 보여주었습니다. 매번 역시나 말은 되고 그럴듯하게 묘사하지만, 위의 영화들은 바넘효과와 같이 보편적인 설명으로는 풀어낼 수 없는 영화들이기에 AI가 작문을 하는데에 어려움을 겪은 것 같은데요.

반면 세계적으로 알려진 오징어 게임에 대해서는 매우 잘 정돈된 리뷰를 보여주는데 성공했습니다. 시리즈의 시놉시스, 성공요인, 그리고 주의해야할점들을 이야기해주는데요. 전형적인 intro, body, some might say…, conclusion의 구조로 정리한 것이 보입니다. 

앞서 포스팅한 ‘기묘한 이야기’와 같이 잘 알려진 작품들에는 10중 8,9로 정답에 가까운 리뷰를 이야기하지만, 한국 영화에 대한 학습은 부족한 것으로 보여집니다. 아직 영화에 대한 저의 생각을 풀어내는 일이 가치가 있는 것으로 보여서 어딘가 뿌듯함이 느껴지네요. 아래는 ChatGPT가 새롭게 생성해낸 8월의 크리스마스 리뷰입니다. 이렇게 영화를 만들어도 재밌겠다는 생각을 하며, 포스팅을 마칩니다.

https://chat.openai.com/chat 에서 캡쳐한 원본. 존재하지도 않는 영화를 설명했다

[C?] 오징어 게임 리뷰 by ChatGPT

'기묘한 이야기'는 미국의 넷플릭스에서 2016년에 처음 방영된 드라마 시리즈입니다. 이 드라마는 시즌 1부터 3까지 총 25개의 에피소드로 이루어져 있으며, 스트리밍 서비스인 넷플릭스에서 세계적으로 큰 인기를 얻었습니다.

이 드라마는 제목 그대로 기묘한 이야기들이 연결된 형태로 이루어져 있습니다. 시즌 1부터 시작해서 시즌이 지날수록 이야기의 깊이와 복잡성이 증가하면서 더욱 흥미롭게 보여집니다. 이 드라마는 고전적인 스타일의 공포물에서부터 미스터리, 판타지, SF, 스릴러 등 다양한 장르를 혼합하여 보여주기 때문에 다양한 취향의 시청자들이 즐길 수 있습니다.

또한, 이 드라마는 매우 훌륭한 연출과 연기로 유명합니다. 특히 여배우들의 연기가 매우 뛰어나며, 그들의 연기력이 이 드라마의 퀄리티를 높이는 데 큰 역할을 합니다. 또한, 이 드라마는 차분하고 정교한 시나리오와 놀라운 트위스트로 시청자를 놀라게 하면서도 깊은 감동을 주기도 합니다.

전반적으로 '기묘한 이야기'는 고품질의 드라마 시리즈 중 하나로 꼽힙니다. 흥미진진한 이야기와 뛰어난 연출, 연기력, 시나리오 등이 결합되어 있어, 시청자를 계속해서 끌어들이며 최종적으로는 깊은 감동을 줄 수 있는 작품입니다. 따라서 이 드라마를 추천합니다.

https://chat.openai.com/chat 에서 캡쳐한 원본

현재 ChatGPT의 한계(?)는 2021년까지의 내용만을 기반으로 답변을 한다고 알려져있는데요. 이를 잘 보여주듯이 위의 리뷰에서 AI는 ‘기묘한 이야기’가 시즌 3까지 밖에 나오지 않았다고 이야기하고 있습니다. 

그럼에도 왜 이 시리즈가 사랑받는지에 대해서는 연기와 연출이 뛰어나고, 정교한 시나리오 덕이라고 이야기하며, 보편적으로 잘만든 작품이 가지는 성질에 대한 기술이라고 볼 수 있는데요. 

하지만, “고전적인 스타일의 공포물에서부터 미스터리, 판타지, SF, 스릴러 등”이라고 명확하게 작품의 특징을 짚어내는 점은 신기합니다. 

리뷰2

"기묘한 이야기"는 미국의 넷플릭스에서 제작한 판타지 드라마 시리즈로, 스트레인저 씨즌, 어게인 씨즌, 보이즈 씨즌, 플래시백 씨즌, 미러 씨즌, 비트 씨즌 등 총 6개의 시즌으로 이루어져 있습니다.

이 드라마는 한 소녀 프레이아와 그녀의 친구들이 사라진 아버지를 찾아 모험을 떠나는 이야기를 그리고 있습니다. 이들이 탐험하는 세계는 현실과 판타지, 과학과 마법, 과거와 미래가 혼재된 기묘한 세계입니다. 이들이 직면하는 문제와 고난을 해결하면서 성장하는 과정을 그린 이야기입니다.

그러나 이 드라마는 그래픽과 스토리에 비해 캐릭터의 심리 묘사가 미흡하다는 지적을 받기도 합니다. 또한, 시즌이 넘어갈수록 이야기가 더욱 복잡해지고 어려워지는 경향이 있어 시청자들이 이해하기 어려울 수도 있습니다.

전반적으로 "기묘한 이야기"는 매우 재미있고 멋진 그래픽과 스토리를 가지고 있으며, 시청자들은 이 드라마를 보면서 많은 것을 얻을 수 있습니다. 그러나 이야기가 더욱 복잡해지면서 시청자들이 이해하기 어려울 수 있으므로, 초보자들은 시즌을 처음부터 차례대로 볼 것을 권장합니다.

https://chat.openai.com/chat 에서 캡쳐한 원본

전혀 다른 작품을 이야기하고 있고, 심지어 무슨 작품을 이야기하는지도 모르겠습니다. 특히 처음 두 문단은 그럴듯하게 이야기하고 있지만, 우리가 아는 ‘기묘한 이야기’와는 전혀 다른 내용이죠. 

이후에는 그럴듯하게 다시 맞춰가는 것이 보입니다. 그럼에도 불구하고, 위의 리뷰와 비교했을 때는 드라마가 성공한 이유를 잘 못 고른듯한 느낌이 듭니다. 

[C?] 기묘한 이야기 리뷰 by ChatGPT

내가 그의 이름을 불러주기 전에는 그는 다만 하나의 몸짓에 지나지 않았다.

내가 그의 이름을 불러주었을 때 그는 나에게로 와서 꽃이 되었다.

내가 그의 이름을 불러준 것처럼 나의 이 빛깔과 향기에 알맞는 누가 나의 이름을 불러 다오. 그에게로 가서 나도 그의 꽃이 되고 싶다.

우리들은 모두 무엇이 되고 싶다. 나는 너에게 너는 나에게 잊혀지지 않는 하나의 의미가 되고 싶다.

- 김춘수의 <꽃>

흔히 연인사이에서 그 감정을 나타내는 데에 많이 쓰이는 김춘수의 ‘꽃’ 입니다만, 넓은 의미로 보면 인간의 존재의 의미에 대한 시인의 고뇌가 느껴지는 작품입니다. 사회적 동물이기에 인간은 본인 안에서 스스로 해답을 내리기를 두려워하고, 외부의 누군가에게 불려지고 난 다음에야 무의미에서 탈출을 하게 되는 것이죠. 그런데, 요즘 우리는 모든 것을 외부로부터 인정받고 싶어합니다. 이런 성향을 가속화시킨 것이 SNS죠. 우리의 정체성을 어디에서 오나요? 아니, 어딜 향하나요?

영화 프랭크(2014)의 줄거리는 대략 이렇습니다. 샤워할 때를 포함해서, 항상 무표정의 가면을 쓴 천재(?) 아티스트인 프랭크를 옆에서 지켜보며, 그를 동경한 워너비 아티스트, but 재능부족인 존의 회고록입니다. 존은 프랭크의 밴드인 the Soronprfbs의 앨범의 제작일기를 유튜브에 올리고, 그가 느끼는 모든 감정을 트위터로 표현합니다. 그리고 이런 존의 업로드는 그들을 소위 말하는 SNS스타로 만들어, 큰 음악축제에 초대도 받게됩니다. 그러나 프랭크와 밴드 멤버들은 이를 달가워 하지 않고, 메인스트림으로 밴드를 끌어내려는 존과 마찰이 생기게 됩니다.

Maggie Gyllenhaal, Michael Fassbender and Domhnall Gleeson in FRANK, a Magnolia Pictures release. Photo courtesy of Magnolia Pictures.

셜록 홈즈의 전기 작가인 존 왓슨과 이름이 같은, 프랭크의 전기작가 격인 존에 대해서 먼저 이야기를 해보겠습니다. 음악인이 되고 싶고, 천재(?) 아티스트인 프랭크를 닮고 싶어하지만, 그가 원하는 것은 결국 외부로부터의 음악인 존으로 불리고 싶은 인정입니다. 본인의 생각과 감정은 있지만, 이것들을 풀어내는 매개체인 트위터를 통해서 외부에 알리고, 본인의 상태를 꾸준히 알림으로써 존재를 확인하려합니다. 그런 외부로부터의 인정을 갈망하는 와중에, 그가 가지고 있는 본인이 이루고 싶지만 스스로 한계를 느꼈던 음악인으로서의 명성을, 프랭크를 이용해 얻으려고하는 확고함도 있습니다. 하지만, 아이러니하게도 그가 만난 팬들은 그가 이용하려던 프랭크의 음악적 팬들이 아닌, SNS를 통해 존의 일기를 즐기던 본인의 팬들이었습니다. 그럼에도 그는 프랭크에 대한 본인의 경외심 비슷한 것 때문에, 본인에 대한 확고함없이 마지막 무대에 올라서도, 그리고 무대를 내려와서도 프랭크에게 집착합니다.

Domhnall Gleeson in FRANK, a Magnolia Pictures release. Photo courtesy of Magnolia Pictures.

본인 스스로가 만든 기준이 아닌 남들에게 어떻게 보이느냐하는 외부적 판단에만 의지하는 모습을 보여줍니다. 외부 요인들이 본인의 내집단이 어디인지를 헷갈리게 만들어, 결국 진정 본인이 무엇을 원하는지는 안중에도 없고, 남들의 시선이 나를 어떻게 바라볼지 만을 생각하게 됩니다. 연극 관객모독의 오프닝에 나오는 대사가 이에 촌철살인을 날립니다. “여러분들은 지금 예술성이 뛰어난 작품을 보러온 자신을 대견하게 생각할 것입니다. 그리고 그런 집단에 함께하고 있음을 자랑스럽게 여길 것입니다.” 이는 예술을 즐기는 행위 자체가 가지는 가치를 순수한 내적인 유희가 아닌, 외부적인 요인이 크게 작용했음을 보여줍니다. 가치 기준이 외부에 있을때, 생기는 문제점이 있습니다. 그것은 정작 중요한 것에 대한 생각이 겉핥기 식으로 끝나버린다는 것입니다. 존의 가치기준이 외부에 있기때문에, 정작 본인이 닮고 싶어하는 프랭크의 음악에 대해서는 이해도가 떨어지고, 그 결과 그의 음악을 대중적으로 바꾸려하고, 이 것이 또 다른 문제를 야기시킵니다. 그 모든 것은 심도깊은 고민의 부재에서 시작됐다고 이야기 할 수 있습니다.

Michael Fassbender in FRANK, a Magnolia Pictures release. Photo courtesy of Magnolia Pictures.

이번에는 존의 피사체인 프랭크에 대해서 살펴보겠습니다. 제가 계속 프랭크를 ‘천재(?)’ 아티스트 라고 표현했습니다. 존을 비롯한 팀멤버들은 프랭크를 천재로 여기고 있습니다. 그가 천재일까요? 영화를 보고 나온 많은 관객들이 그렇다와 아니다로 나뉠 것 입니다. 그러나 제가 정작 생각하는 것은 저 질문은 전혀 필요없는 질문입니다. 프랭크는 다른 천재들과 같이 미세한 부분에서도 욕심을 내는 완벽주의자이고, 그의 음악은 전혀 대중적이지않으며, 그만의 세계가 확고해 보입니다. 가면을 항상 쓰고 행동하는 등 일반인들과는 확연하게 다른 사람임이 분명합니다. 그런데, 천재라는 기준 또한 외부세계에서 부여한 정체성입니다. 천재들이 본인들 입에서 ‘나는 천재입니다.’ 라고 이야기하는 경우는 희박할 것입니다. 프랭크가 정신적으로 불안 증세가 오는 것은 존으로인해 그의 정체성인 그의 음악이 대중적으로 변하고, 그것을 받아들이기 시작하면서부터 심해집니다. 그의 가면또한 외부의 그런 정신공격들로부터 방어하는 방패라고 생각 할 수 있습니다.

Maggie Gyllenhaal and Michael Fassbender in FRANK, a Magnolia Pictures release. Photo courtesy of Magnolia Pictures.

그런 프랭크가 되고싶은 프랭크의 오랜 친구 돈이 있습니다. 그리고 그렇게 할 수 없음에 그는 프랭크의 가면을쓰고 자살을 선택합니다. 돈은 존이 인정하는 그만의 음악이 있음에도 불구하고, 그 안에 거대하게 자리잡은 프랭크라는 외부 가치 기준을 씻어내지 못했기 때문입니다. 누구는 프랭크와 같은 가면을 삶의 마지막에까지 쓰고싶어하고, 프랭크 본인도 가면을 벗기를 두려워합니다. 그가 가면을 쓰고 그의 마음이 이끄는 음악을 할 때는 문제가 없지만, 그 또한 사람이기에 가면이라는 특수성을 버리고난 뒤에 본인이 주변인으로 전락해버리는 것이 두려운 것입니다. 그리고 이는 그를 온전히 받아들여주는 밴드 멤버들에 의해 치유됩니다. 밴드 멤버들은 세상이 이야기하는 외부의 잣대를 프랭크에게 들이대지않고, 서로가 있는 그대로 서로를 믿음으로써 하나가 될 때, 존 또한 그가 쫓았던 것이 본인의 생각과 다른 것을 깨닫고 비로소 그의 온전한 생각으로 내린 순수한 결정으로써, 밴드 멤버들을 뒤로 한 채 다른 길로 떠납니다.

[C] 프랭크 (2014)

한국 영화에서 유명한 멜로 영화를 꼽으라면 저는 봄날은 간다(2001)와 이 작품을 고르겠습니다. 두 작품 모두 허진호 감독의 작품들인데요. 불치병에 걸린 주인공의 사랑을 다루지만, 눈물을 쥐어짜내는 연출없이 스며들듯 시작하는 사랑을 그려내고 있습니다. 이번 포스팅에서는 8월이면 생각나는 영화 8월의 크리스마스(1998)가 주는 느낌과 그에 대한 제 반응을 이야기 해보려고 합니다.

이 영화는 절제, 미니멀한 연출이 더 큰 울림을 주는 대표적인 작품입니다. 심지어 마지막 남자 주인공의 나레이션이 나오기 전 15분은 대사조차 없이 영화가 진행되는데요. 주인공의 병명은 극중에 나오지도 않고, 병원에서 보내는 시간 조차 죽음이라는 이미지가 질척거리지 않습니다. 심지어 내용에서 중요한 여자 주인공이 쓴 편지는 무슨 내용인지, 남자 주인공의 답장은 무엇이었는지도 관객들은 알 길이 없죠. 만약 영화가 관객들에게 눈물을 요구했다면, 주인공이 구구절절한 편지를 읽으며 눈물을 흘리는 모습만 나와도 성공했을 것입니다. 하지만, 영화에서 누구도 카메라를 바라보며 그 감정을 전달하려 않고, 오히려 숨어서 우는 등 마치 영화가 눈물을 거부하는 것처럼 보입니다. 그럼에도 불구하고, 관객들에게 안타까운 감정, 사랑이 시작되는 설렘은 고스란히 느껴지죠. 허진호 감독의 미니멀한 연출은 21세기가 되어서도 여전히 회자되며 왜 이 영화가 멜로 영화의 클래식인지를 증명하고 있습니다.

영화의 제목 처럼 8월과 크리스마스라는 서로 만날 수 없는, 같이 존재할 수 없는 두 이미지들을 담고있듯, 죽음이라는 삶의 끝을 기다리는 사람의 사랑이 시작되는 것이 이 영화를 관통하는 주제인데요. 주인공들의 사랑의 시작을 보면 극적인 순간없이 일상의 순간들의 연속인데요. 그래서 저는 이 영화를 좋아합니다. 한 번 두 번 우연인듯 아닌듯 만남이 시작되고, 만남이 잦아지면서 호감이 생기고, 호감이 에피소드를 만들어내고, 데이트까지 이어지죠. 두 주인공 사이의 사랑이 시작되는 과정을 보고있으면, 다분히 일상적이라서 더욱 저 자신을 대입해보게 됩니다. 제가 아내와 처음 만나서 어색하게 인사하고, 함께 보내는 시간이 길어지고, 호감에 휩싸여 엉뚱한 말과 행동을 하고, 그리고 데이트까지의 시간들이 자연스레 떠오르게 만듭니다. 사랑의 시작이라는 풋풋함을 담고 있기에 그리고 그것을 절제해서 그려내기에 이런 대입이 가능해지는 부분입니다.

남자 주인공의 직업이 사진사라는 점도 재밌는 점입니다. 사진을 보며 우리는 사진에 담긴 사람, 풍경, 상황을 1차원적으로 볼 수도 있지만, 사진의 힘은 그 너머에서 오는 감정에 있습니다. 사진 속 인물이 어떤 마음으로 사진을 찍었는지, 또 사진을 찍던 사람의 마음은 어땠는지도 생각해 볼 수 있죠. 풍경 사진을 보면 마치 사진을 찍었을 당시의 기억들이 다시금 떠오르기도 합니다. 지나갔기에 추억이라 부를 수 있고, 그 추억을 담아내는 직업이 사진사인 것이죠. 하지만, 사랑을 간진한 채 삶의 마지막을 맞이한 주인공의 사랑은 추억이 되지 않았습니다. 이런 부분이 여자 주인공에게는 짖굳을지 몰라도, 남자 주인공에게는 그의 나레이션처럼 삶의 끝까지 ‘살아있게’해줘서 고마운 점이죠. 그리고 영화의 마지막에 여자 주인공이 본인의 사진을 보며 ‘그땐 그랬지’의 추억으로 남기는 것과는 대조를 이룹니다.

누군가에게는 답답한 영화일수있고, 누군가에게는 눈물을 쏟게 만드는 등, 보는이의 상황에 따라 다른 감정을 느끼게 하는 영화라서 제가 10년뒤에 이 영화를 본다면 또 다른 감정을 느끼게 될 지도 모른다는 설렘 같은 것이 있습니다. 10년 뒤라면 혹시라도 딸아이와 함께 이 영화에 대해 대화를 해 볼 수도 있겠죠. 여러분만이 느낄 수 있는 특별한 감정, 여러분만의 한 여름의 크리스마스를 경험해 보시길 바라며, 영화 8월의 크리스마스(1998)였습니다.

[C] 8월의 크리스마스 (1998)

십이지 암기 할때, 노래와 함께 하지 않았는지 궁금한데, 혹시 노래로 암기 하신분..?

“십이대전” 이라는 넷플릭스를 보고 난 뒤로, 유독 이 애니메이션이 생각 나는것 같다.

십이지신은 꾸러기 수비대가 근본이지 라는 생각에 OST를 다시 들어본게 화근이었다.

OST 빼면 시체라고 생각이 들 만큼 또래의 십이지 학습 시켜준 좋은 애니메이션이다.

가사만 봐도 음성 지원과 지르는 포인트가 확실하다

똘기 떵이 호치 새초미 자축인묘

원더랜드를 지키기 위해 십이지들의동화나라 고분군투기! 라는 명분 하에 진행되는 스토리지만

후반부가 부실하다는 느낌이.. 제1, 제2의 원더랜드와 데우스 엑스 마키나 엔딩이 조금 아쉽...

그래도, 어린이용 애니메이션이니까, 밝게 끝내야 하지 않았을까 라고 생각은 한다.

나름 생각 해보면 회차 별로 뒤죽박죽이 된 동화 내용들 중에서 기억에 남는건 4회였는듯..?

가장 기억에 남는게 “토끼와 거북이”편 이다. 뭔가 멋져보였다. 남자는 핑크다. 차량 색상이 차도남의 원조는 토끼였을지도..?

[S] 꾸러기 수비대 feat. 추억팔이

2010년을 대표하는 캐릭터를 하나만 이야기하라면 저는 1초도 망설이지 않고 미니언을 뽑겠습니다. 일루미네이션 스튜디오의 데뷔 작품인 슈퍼배드(2010)에 등장한 캐릭터로, 2등신의 노란색 피부를 가진 귀여운 친구들이죠. 창작 캐릭터가 점점 더 귀해지는 상황에 미니언의 등장은 저에게 신선한 충격이었고, 그들의 엄청난 인기는 마치 창작 캐릭터의 한줄기 빛을 보는 것과도 같았습니다. 이번 포스팅에서는 본 캐릭터가 주인공인 영화 미니언즈2(2022)와, 이 사랑스런 악동들에 대한 저의 생각도 이야기 해 보겠습니다.

Illumination.

최고의 악당을 보스로 삼고 싶어한다는 특이한 본능을 가진 미니언들은 귀여운 모습에 그렇지 못한 악동같은 행동으로 관객들에게 재미를 줍니다. 그들의 언어는 관객이 이해할 수 없고, 오로지 슬랩스틱으로 웃음을 준다는 점에서 헐리우드 초기의 무성영화 코미디를 연상시키는데요. 애니메이션 캐릭터만이 가질 수 있는 카툰적 허용을 최대치로 끌어올려서 과장된 액션을 보여준다는 점이 루니툰즈 시리즈나 톰과 제리 시리즈를 연상시키기도 합니다. 하지만 추격과 대립적 사건 상황을 채택해서 재미를 주는 앞의 두 작품들과는 다르게, 미니언은 오히려 찰리 채플린이나 버스터 키튼의 슬랩스틱에 더 가깝다는 점이 저에게는 신선한 충격이었고, 제가 이 캐릭터들을 좋아하는 이유기도 합니다. 그리고 이런 슬랩스틱 코미디는 언어의 장벽을 뛰어넘을 수 있고, 또 남녀노소 모두가 즐길 수 있다는 이점이 있는데요. 이를 증명하듯 슈퍼배드(2010)가 개봉됐을 당시 영화의 실질적인 주인공은 미니언들이라는 평가들이 지배적이었고, 제작사도 이를 의식한듯 속편에서는 미니언들을 둘러싼 이야기로 진행되었습니다.

Illumination.

그럼에도 슈퍼배드 시리즈는 그루가 주인공이기때문에 1편에서는 아버지가 되는 과정을 겪는 그루, 2편에는 파트너쉽을 이해하는 과정의 그루, 3편에서는 악당에서 은퇴하는 그루를 표현합니다. 그래서 제작사는 미니언즈(2015)라는 제목으로 본격적인 캐릭터의 스핀오프를 만들게 됩니다. 제가 이 스핀오프에서 기대했던 것은 앞서 이야기한 시대를 뛰어넘는 무성영화 시절의 슬랩스틱 코미디였습니다만, 제작사는 단편이 아닌 장편 영화로 만들기에는 위험부담이 컸는지 인간 캐릭터들을 대거 등장시키며 제 기대를 깨는 것은 물론 작품 자체도 좋은 평가를 거두지는 못 했습니다. 미니언들의 단편적인 소동 소동들을 유기적으로 합치지 못 한 이야기의 부재가 작품의 완성도를 떨어뜨린 것이죠. 아쉬운 작품임에도 불구하고, 전세계 11억달러를 벌어들이며, 캐릭터의 인기를 증명했습니다.

그리고 올해 스핀오프의 속편이 개봉했습니다. 여전히 제가 바라는 방향은 아니지만, 충분히 개선된 이야기를 보여주며 즐겁게 극장에서 나올 수 있었는데요. 여기에는 전편의 부족한 이야기를 미니언들의 슬랩스틱에 추격과 대립적 사건 상황을 접목시키며 절충안을 낸것이 성공적으로 작용했다고 이야기할 수 있겠습니다. 극장에서 이 캐릭터들을 다시 보는 것이 슈퍼배드3(2017) 이후 5년 만이기에 그 사이에 어린 아이들이 이렇게 자랐다라는 의미와 애니메이션을 정장을 입고 보러간다는 아이러니를 표현한 ‘젠틀미니언’이 유행했는데요. 마치 마블 영화나 스타워즈 등 팬들이 코스튬을 입고 극장에 방문하는 것처럼 영화를 즐기는 방법중 하나라는 의견이 있는데 반해, 일부 사람들이 극장에서 미니언들처럼 행동을 하는 사건도 있어서 정장을 입은 그룹은 출입을 금지시킨 영화관들도 있었습니다.

Minions: Cinemas ban teens in suits over #gentleminions trend

By Joseph Lee BBC News Some cinemas have banned young people wearing suits from screenings of Minions: The Rise of Gru over rowdy behaviour fuelled by a TikTok trend. Teenagers following the #gentleminions trend have been accused of making noise and throwing things during screenings.

https://www.bbc.com/news/uk-61988793

극장에서 미니언들의 슬랩스틱을 보고 꺄르르 웃는 어린아이들의 반응 덕분에 저와 제 아내는 더욱 영화를 즐길 수 있었는데요. 문자 그대로 남녀노소 즐길수 있는 사랑스런 캐릭터의 슬랩스틱 코미디 영화, 미니언즈2(2022)였습니다.

[C] 미니언즈2 (2022)

나가이 고 1972에 시작된 일련의 시리즈를 기반이며, 50주년 기념 작품이다.

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감독 - 유아사 마사아키, 넷플릭스 독점작 2020

베르세르크 같은 다크 판타지를 좋아 하는데, 흥미진진하게 감상 한 애니메이션이다.

죽어가는 아기 고양이를 구하고자 하는 아키라와, 그 모습을 경멸 하는 료.

감정이 풍부한 아키라와, 감정이 결여된 료, 선과 악을 구분 짓는 프레임을 씌우며 진행 된다.

스토리가 전개 됨에 따라, 인간같은 악마, 악마같은 인간 - 변해 가는 심리묘사가 잘 표현 되고 있다.

인성질 중입니다?

상황에 따라 인간이 악마 만큼 잔인한 행동을 하고 반대로, 인간 같은 악마의 모습도 나온다.

악마가 되었지만, 인간의 감정을 가진 미코

독백의 오프닝으로 시작 하는데, 뒤늦게 이 부분이 작품의 엔딩에 대한 떡밥인걸 알았다.

[S]데빌맨 - 크라이베이비

2016년 시즌1으로 시작된 기묘한 이야기가 시즌4편을 내놓았습니다. 개인적으로 미국유학시절부터 꼬박꼬박 챙겨보던 드라마였는데 아내는 아직 보지 않았던터라 함께 정주행을 하게되었습니다. 사실 아내가 임신한 상태다보니 놀라는 장면이라던지 괴기스러운장면이 태교에 좋지 않을까 걱정되는 마음이 컸는데 PG13에 맞춰진 수위답게 생각보다 어린이들에게 맞춰진 정도만을 보여준다는걸 느꼈습니다. 그럼에도 불구하고 쫄깃한 긴장감과 몰입감은 여느 등급의 드라마보다 더 컸던것 같습니다. 그래서 이번 포스팅에서는 기묘한 이야기가 매력적일 수 밖에 없는 이유에 대해 얘기해 볼까합니다.

드라마는 1980년대를 배경으로 하고 있습니다. 그렇다보니 시대극이 주는 매력을 빼놓고 얘기할 수가 없습니다. 배우들의 옷차림은 물론이고 집안의 인테리어, 도시의 전경은 레트로적인 분위기를 불러일으키는데요. 시즌2에서 오락실장면이나 시즌3에서의 쇼핑몰,그리고 시즌4의 롤러스케이트장면들을 보고있으면, 마치 응답하라시리즈를 보고 열광하던 느낌을 받을 수 있습니다. 극중 시대 배경이 주는 레트로적인 느낌은 70, 80년대의 유명한 영화들을 오마주한 연출이 더해지면서 완성된다고 할 수 있는데요. 친구들이 뭉쳐서 사건을 해결하는 것은 구니스(1985), 이티(1982), 스탠바이미(1986)등을 떠올리게 하고, 미지의 세계의 미스테리함은 에이리언(1979), 미지와의 조우(1977), 폴터가이스트(1982) 등을 떠올리게합니다.

시즌1당시 실제로 중학생이었던 어린배우들을 캐스팅하다보니 배우들의 성장을 보는 것도 또다른 재미입니다. 2016년, 2017년, 2019년에 걸쳐서 나온 시즌1,2,3에서는 중학생의 귀엽고 꾸미지 않은 순수한 이미지로 나왔지만 코시국으로 인해 3년만에 나온 시즌4에서는 어엿한 고등학생이 된 배우들의 모습에 왠지 잘커주었구나 하는 뿌듯한 삼촌마음으로 드라마를 보았습니다. 그리고 이러한 성장뿐만이 아닌 배우들 사이의 돈독한 케미는 단순히 연기를 넘어서는 몰입감을 선사해 주었습니다. 특히 게이튼 마타라조가 연기한 더스틴을 개인적으로 좋아하는데요. 더스틴과 스티브, 더스틴과 에디가 보여주는 케미의 원천은 이 더스틴이라는 캐릭터의 매력이라고 생각하기 때문입니다.

하지만 역시 이 드라마의 가장큰 매력은 스토리라인입니다. 아무리 화려한 무대장치와 소품이 있더라도 배우들의 연기가 좋더라고 작품자체의 질이 떨어진다면 시즌4까지 나이가서 더 많은 시즌을 이끌어낼 수 없었겠죠. 기묘한이야기는 이미 시즌1부터 단순히 파일럿에서 시작했다고 볼 수 없을 만큼 탄탄한 이야기 구조를 가지고 있습니다. 시즌1에서 던져놓은 많은 떡밥들을 시즌2,3,4에 걸쳐서 하나씩 회수하고 있고 매시즌마다 다시 또 새로운 떡밥을 던지며 다음 시즌만을 기다리게 만드는 굉장히 계획적인 진행을 보여줍니다. 그리고 이 시리즈의 특징은 인물들이 서로 다른 지점에서 각자의 계기로 시간된 이야기가 마지막에 톱니바퀴처럼 맞물릴때오는 쾌감이라고 할 수 있는데요. 그것이 이번 시즌 1-3까지는 이야기가 한 장소로 이어졌다면, 시즌4에서는 이 마저도 변주가 가능하다는 것을 보여주며, 인물들이 서로 다른 장소에서 있지만 여전히 힘을 합쳐서 사건을 해결하는 클라이맥스는 3년의 기다림을 보상받기에 충분했습니다.

시즌4의 후반기가 공개됨과 동시에2024년 여름에 공개하는것을 목표로 시즌5 제작에 들어갔다는 좋은소식을 접할 수 있었습니다. 사실상 그사이 부쩍자라 성인이 된 동네친구들의 모습과 사실상 파괴되어버린 호킨스의 이야기가 어떻게 이어질지 기대되는데요. 요즘 실적저조로 힘든 넷플릭스의 기를 살려주는 회사의 명실상부 3대장 중 하나인 기묘한 이야기, 추천합니다.

[C] 기묘한 이야기(2016~)

최초의 장편 3D 애니메이션, 토이스토리(1995)의 주인공 중 한 명인 버즈의 이야기를 그리는 ‘라이트이어 (2022)’가 공개됐습니다. 카우보이 장난감 우디는 토이스토리(2019)를 통해 은퇴를 했고, 이제 버즈의 이야기를 다룰 차례가 된 것이죠. 재밌는 점은 토이스토리 세계관의 버즈를 다루는 것이 아니라, 그의 모델을 다루는 것인데요. 이번 포스팅에서는 영화에 대한 이야기와 영화를 둘러싼 논란에 대해서 이야기해보겠습니다.

Disney. Pixar.

영화는 지나간 실수를 생각하며 과거에 머무르지 말고, 현재를 소중히 여기며 항상 앞을 보며 나아가자는 메세지가 뼈대를 이루고 있는데요. 그 사이사이에도 혼자서는 불가능한 것들이 함께 했을 때 가능하게 한다는 이야기와 또 트라우마를 극복하기 위해선 부딪혀 볼 수 밖에 없다는 이야기도 담겨있습니다. 이렇듯 다양하게 펼쳐지는 이야기들이 영화 전체에 잘 분배되어 있어 이야기의 밀도가 느껴지기도 합니다. 하지만, 이런 이야기들은 새롭지 않기때문에 진부하게 다가올 수도 있는데요. 제작진들은 그것을 피하지 않고 정공법으로 만들어냅니다. 클리셰들을 더욱 클리셰스럽게 쓰는 것이죠.

Disney. Pixar.

애니메이션에는 실사영화가 담지 못 하는 감성이 있습니다. 토이스토리가 트랜스포머처럼 실사영화로 만들어졌다면, 그 감동의 깊이는 절대 같지 않을 것입니다. 라이트이어(2022)는 애니메이션의 장점들을 골고루 잘 담고있습니다. 캐릭터들은 과장된 행동들을 하지만 그것이 자연스러운 코믹함으로 보이고, 액션은 더 역동적이게 됩니다. 토이스토리의 앤디가 이 영화를 보고 버즈 장난감이 가지고 싶어진 것이 이해될 정도로 순수하게 재밌습니다. 개연성보단 이야기의 표현과 어드벤처에 초점을 둔 것이죠. 픽사라는 타이틀을 생각하면 더 기대할 수도 있었겠지만, 이 정도면 픽사의 타이틀 방어를 하기에는 충분한 재미를 줬다고 생각합니다.

Buzz Lightyear film featuring same-sex couple will not play in 14 countries | CBC News

Walt Disney Co. has been unable to obtain permission to show its new Pixar movie Lightyear in 14 Middle Eastern and Asian countries, a source said on Monday, and the animated film appeared unlikely to open in China, the world's largest movie market.

https://www.cbc.ca/news/entertainment/lightyear-banned-countries-1.6487853

6월은 성소수자 인권의 달(pride month)입니다. 무지개 색의 옷이나 깃발 등을 가지고 스톤월 술집에서 시작된 항쟁을 잊지말자고 퍼레이드를 하기도합니다. 우리가 더 많이 그들의 이야기를 접할수록 익숙해질것이고, 그러다 어느순간에는 더 이상 이상한 것이 아니게 될테니까요. 제가 이 이야기를 하는 이유는 영화에 나오는 버즈의 친구가 동성애를 한다는 이유로, 14개의 국가에서 상영금지 처분을 받았기때문인데요. 몇개의 국가에서는 문제가 되는 장면을 편집하면 상영을 허가하겠다고 했지만, 픽사 측에서 완강하게 거부하고 있습니다.

Disney. Pixar.

사실 영화에서 덜어내도 문제가 전혀되지 않을 정도의 내용이라서, 개인적으로는 이 논란이 유치해보입니다. 한국에서는 어린이 영화에 동성애 장면이 나와서 아이의 정체성 혼란을 줄 것이 두렵다라는 의견이 일부 있다고 들었습니다. 앞서 이야기한 것 처럼, 영화의 이야기에는 이 동성애코드가 전혀 어떤 영향도 주지 않습니다. 영화에서 이야기하는 것은 따로 있는데, 그것을 보지 못 한다는 점이 안타깝다고 생각합니다. 이제는 주변에 LGBTQ인 친구들을 어렵지 않게 찾을 수 있게되었습니다. 한 대만영화의 대사 처럼 이성애자의 사랑과 동성애자의 사랑에 다름은 없습니다. 시대는 변하고 있고, 우리 모두 시대와 함께 변해가고 있습니다.

Disney. Pixar.

영화에는 픽사의 팬, 특히 토이스토리의 팬들이라면 알 수 있는 이스터에그들이 많습니다. 토이스토리 시리즈에서 버즈가 했던 대사들이나, 스타트렉, 스타워즈 심지어는 에반게리온의 흔적도 보입니다. 이런 이스터에그들을 찾아보는 것도 이 영화를 보는 또 다른 재미가 될 수 있겠죠. 동성애라는 논란때문에 영화 보기를 고민하시는 분들에게도 당당하게 추천드릴 수 있는 단순히 재밌는 영화 라이트이어(2022)였습니다.

[C] 라이트이어 (2022)

이번 제 75회 칸 영화제에서 한국영화는 경쟁부문에서 남우주연상과 감독상을 수상했습니다. 이로써 우리나라는 칸의 모든 경쟁부문에서 상을 받았는데요. 달라진 한국영화의 위상을 느낄때마다 저는 밑거름이 된 오래된 한국영화들을 생각하곤 합니다. 오늘 다룰 영화는 절망적인 분위기때문에 당시 검열관들로부터 엔딩을 고치는 조건으로 개봉을 허락받았지만 이만희 감독은 이를 거부했습니다. 고치라는 엔딩이 1968년에 남자 주인공이 머리를 깎고 군대에 입대하는 것이었죠. 그래서 창고 속에 있던 이 영화는 기적적으로 부산국제영화제에서 감독의 특별전을 준비하는 과정에서 발견되며 2005년에 세상에 공개되었습니다. 이번 포스팅에서는 1968년 영화이자 2005년 영화이기도 하고, 영화의 분위기 또한 이상한 이 영화를 이야기 해보겠습니다.

영화의 스토리가 간단하듯, 영화도 약 70분이라는 짧은 러닝타임입니다. 영화는 우울하고 이상한 분위기를 품고있습니다. 이 당시 휴일이라고하면, 일요일 하루를 의미하는 것이었습니다. 그말인즉, 월요일에서 토요일까지의 끔찍한 노동의 강도를 견뎌낸 몸이 다가올 노동을 위해 회복을 해야하는 날이지만, 동시에 그동안 쌓였던 피로를 하루종일 느끼는 날이기도 했습니다. 지금 우리가 이 영화를 볼 때, 이 영화가 1968년에 개봉을 하려했고, 이는 전태일이 스스로 그의 몸을 태우며, 근로기준법을 부르짖던 1970년, 그 직전의 시대임을 인지해야만 합니다.

십자가를 보여주며 영화를 시작하지만, 그것은 휴일을 상징하는 이미지일 뿐 다른 종교적 의미는 없습니다. 오히려 세상에 내던져진 노동자들(geworfenheit)을 신이 마치 방관하는 것 처럼 보이기도 합니다. 남자 주인공의 동선은 수평아니면 하강만 있을 뿐 상승의 이미지는 없습니다. 남자 주인공이 애인을 만나기위해 내려가는 장면은 있지만, 이들이 남산으로 올라가는 장면은 보여주지 않습니다. 영화 기생충(2019)에서 폭우가 쏟아지며, 주인공가족들이 끝없이 계단을 내려와 반지하집으로 들어가는 이미지처럼, 휴일(1968)에는 추락만 있습니다.

연인은 어떻게 행복한 미래를 꾸릴지에 대해서 이야기하지만, 그것을 이야기하는 사람도 그것을 듣는 관객들도 그런 미래는 오지 않을 것이란 것을 알고있습니다. 어렵게 훔친 돈을 구해서 산부인과에 갔지만, 우울하기는 마찬가지입니다. 산부인과는 비명으로 가득 차 있고, 출산을 마친 산모의 눈에는 어떤 기쁨도 보이지 않습니다. 이 산모를 기다리는 가족조차 없습니다. 그리고 일요일 오후임에도 불구하고 놀이터에는 아이들이 없습니다. 이 영화에서 밝은 미래는 찾아볼 수 없습니다.

이 영화가 이상하게 느껴지는 이유는 대사로 스토리를 이동시키지 않기 때문입니다. 화면을 통해서, 영화의 편집이라는 마법을 통해서 그 분위기를 관객에게 전달하려고 하고 있죠. 마치 자신의 묫자리를 보는 듯 오래된 나무에서 쓸쓸히 서있는 남자, 서울이 내려다보이는 남산의 벼랑 끝자락에 서있는 연인을 그대로 밀어버릴것만 같은 바람을 담아내는 것이 영화가 전달하고자 하는 분위기입니다.

보통 영화를 편집의 예술이라고 부릅니다. 이야기를 효과적으로 전달하기 위해서, 시간을 생략하고, 갑자기 공간이 이동해도 말이 되게 만드는 것이 편집이죠. 그리고 이런 편집과정에서 이야기 진행이 이루어지지 않아서 잘려나가는 시간을 데드타임이라고합니다. 주로 인물들이 이동을 하는 장면들이죠. 그런데 이 영화는 주로 남자 주인공의 이동을 그리고 있습니다. 돈을 구하러 다니는 이동, 술을 마시는 다니는 이동, 영화의 이야기 어떤 방향으로 가는지 알수없을 정도로 영화는 당시 시대의 쳇바퀴도는 듯한 느낌을, 쉬는날의 우울감을 표현하고 있습니다.

그리고 영화는 마치 영화 안에서 두번 시작하는 느낌이 있습니다. 전반부에는 돈을 구해서 산부인과에 가기까지의 영화, 후반부에는 낯선 여자와 시간을 보내는 영화입니다. 이것이 마치 다른 일요일이라도 되는 듯, 남자 주인공은 다른 여자와 술을 마시고 이야기하는 것을 보고있으면, 자연스럽게 관객들은 영화 전반부에 있었던 일들은 어떻게 된것인지에 대한 의문을 품고 생각을 하며 영화를 보게되죠. 이런 의문들이 계속될때, 영화는 다시 전반부로 이어지며 남자 주인공을 일탈을 해도 벗어 날 수 없는 현실로 끌고옵니다.

성공만했다하면 속편에 리부트까지 하는 헐리우드와는 다르게 우리나라에는 유독 프랜차이즈 영화들이 많이 없습니다. 저는 한국에 더욱 많은 시리즈 물들이 만들어졌음 하는 바람이 있는데요. 좋은 캐릭터들이 소모되지 않고 더욱 소비되면 좋겠는 저의 욕심인거죠. 그래서 타짜 시리즈나 해적 시리즈 같이 배우들이 바뀌어가며 이름만 이어기는 것은 프랜차이즈라고 보지 않습니다. 예를 들어 공공의 적과 강철중(검사 강철중인 공공의 적2 제외) 최근의 조선명탐정 시리즈 정도가 생각나네요. 그리고 또 다른 프랜차이즈의 가능성이 큰 영화가 나온거죠. 범죄도시(2017)의 성공이후 5년만에 속편이 나왔습니다. 이번 포스팅에서는 이번 속편을 기획을 할 때에 제작진들의 선택과 집중의 결과물에 대해서 이야기 해 보려고합니다.

[C] 휴일 (1968)

먼저 아쉬운 점을 이야기하자면, 전반적으로 밋밋해진 캐릭터들입니다. 1편에서 윤계상이 연기한 장첸은 수많은 유행어를 남기며, 심지어 이번 영화에서도 언급이 되었습니다. 장첸 패거리의 위성락도 캐릭터가 돋보였으며, 진선규는 청룡영화상에서 남우조연상 수상을 하기도 했습니다. 하지만 2편에서는 마동석의 마석도 캐릭터에 집중을 했습니다. 전편이 다른 범죄영화들과 차별화가 되었던 것이 배우들이 만들어낸 캐릭터라는 것을 생각해보면, 마석도 캐릭터에 집중하며, 본격적인 히어로 물의 영화가 되는 길을 선택한 것입니다. 다른 캐릭터성이 줄어들면서 마석도와 함께 유머를 책임져야할 확실한 서브캐릭터들이 필요했는데요. 그 역할을 장이수와 전일만 반장이 나누어서 가져갑니다. 그리고 그들이 만들어내는 입담은 영화의 톤을 가볍게 만들어 전체적인 균형을 잡는데에 크게 기여를 했습니다.

마석도 원맨 히어로 캐릭터 액션에 좀더 선택을 하며 다른 캐릭터들을 잃었지만, 악역으로 나온 손석구의 강해상은 무시무시했습니다. 영화를 보고나서 남는 것이 마동석의 액션과 손석구의 연기밖에 없다고 해도 과언이 아닐 겁니다. 악역에 특별한 캐릭터를 부여하는 대신 이번엔 정말로 악에 받친 나쁜놈 연기를 너무 잘해서 그가 나오는 장면엔 무슨일이 벌어질것만 같은 스릴감을 주며, 영화가 전체적으로 긴장의 끈을 놓치 않게 하는 가장 큰 요인이었습니다. 마지막 대결 장면에서 마석도와의 대결에서 분을 삭히지 못하는 강해상을 표현해낸 부분은 특히 더 대단했다고 생각합니다. 강해상을 더욱 나쁘게 더욱 무시무시하게 표현해낸 덕에 오히려 액션의 통쾌함이 몇배로 늘어나는 것도 사실입니다.

전편에서 관객들이 좋아한 부분을 확실하게 키우기로 결정한 제작진이 이번편에서 더욱 신경 쓴 것은 마석도 액션의 리액션입니다. 전편에 비해 더 마석도에게 맞는 인물들이 비현실적으로 더 멀리 날아가거나 더 아파하는 모습을 보여주는 등, 마석도의 강함을 더 잘 표현하고 있습니다. 이렇게 판타지스러운 액션이 있는 반면, 최대한 사실적으로 그려내는 액션도 본 영화에 있는데요. 강해상의 액션과 영화에서의 카체이스 장면이 그렇습니다. 강해상과 친구가 그의 아파트에서 여러명을 상대하는 장면은 직접적인 묘사가 없이도 처절한 칼부림을 잘 표현 해냈습니다. 또 윤석호 형사가 담당했던 실제 사건들을 바탕으로 제작하는 범죄도시 시리즈이기에, 이번에 나왔던 자동차 추격씬은 경찰들의 노하우가 들어가있는 느낌을 줘서 신선하게 다가왔습니다.

전편의 성공에서 관객들이 좋아한 요소들을 선택해서 극대화를 시키고, 그에 걸맞는 속편으로 돌아왔다고 저는 생각합니다. 나쁜놈들을 잡는 히어로 마석도 형사를 보면, 다음 영화도 일정수준의 퀄리티는 유지해 줄 수 있을 거란 기대감을 가지게합니다. 우리나라에서 성공적으로 4편 5편까지 만들수있는 좋은 프랜차이즈가 될수 있는 가능성을 보았습니다. 한국개봉이 5월 18일이었는데, 북미 개봉이 5월 20일로 동시개봉을 했다는 사실도 개인적으로 놀랐는데요. 2022년 6월부터 촬영이 시잘될 다음편을 기대하게 만드는 범죄도시2(2022)였습니다.

[C] 범죄도시2 (2022)

인생에서 가장 큰 지출을 하는 순간은 아마도 집을 사는 순간일 것입니다. 은행과 25년, 30년을 묶여 수입의 대부분을 대출금으로 갚아나아가는 것은, 노동의 강제성을 요구하는 일이죠. 올해에 집을 사려고하는 저에게 요즘들어 생각나는 영화가 바로 노매드랜드(2020)입니다. 자의 혹은 타의로 유목민의 삶을 택한 사람들을 그린 이야기인데요. 이번 포스팅에서는 제 개인적인 감상을 이야기해보고자 합니다.

주인공은 남편과의 추억이 깃든 하우스가 있습니다. 다만 그 집이 이제는 어떤한 물질적 가치도 지니지 않게된 것이죠. 한 회사와 의존적인 관계로 시작된 도시는 망할리 없을 거라고 생각했던 회사가 망함에따라 도시도 함께 지도에서 조차 사라져버립니다. 남편이 죽고 난뒤, 그녀는 자동차를 구입해 실을 수 있는 물건만 가지고 유목민의 삶을 시작하고, 유목민의 생활에서 친구와의 추억도 생기고 노하우도 생기게 됩니다. 자동차가 고장나는 바람에 어쩔수없이 언니의 집과 친구 데이브의 집에 방문을 하게 되고, 그곳에서 지내도 된다는 허락까지 받지만 그녀는 몸이 편할지언정 마음이 편하지는 않습니다. 그래서 그녀의 자동차로 돌아가죠.

영화는 2017년에 출간된 동명의 르포르타주를 원작으로 하고 있습니다. 원작에서는 서브프라임 모기지 사태 이후 유목민이 된 사람들을 다루고있는데요. 영화에서는 US 석고 공장이 부도로 폐쇄함에 따라 우편번호마저 없어지고 유령도시가 되어버린 네바다 주의 엠파이어시를 떠난 가상인물 ‘펀’의 여정을 따라가고 있습니다. 클로이 자오 감독은 가상의 주인공을 내세우지만, 주변인물들은 실제 유목민들을 섭외하고 그들의 삶을 담는 등 다큐멘터리적인 접근을 하고있는데요. 유목생활을 하는 사람들의 낭만을 가까이에서 관찰하되 일용직으로 생활을 이어나가는 모습을 함께 보여주며, 인물들에게의 따듯한 시선은 지키고 시스템에의 차가운 시선은 유지하고 있습니다.

영화에서는 하우스리스와 홈리스를 확실하게 구분짓고자합니다. 주인공으로 대변되는 유목민들은 하우스가 없을뿐, 어디든 주차만 하면 집(Home)이 되는 차가 있습니다. 하우스와 홈이라는 어감의 차이를 짚으며 자오 감독은 본인에게 그리고 관객들에게 집의 의미를 묻고 있습니다. 튼튼한 벽과 지붕 안의 물리적인 공간을 집이라고 할 수도 있겠죠. 그런 공간이 넓으면 부의 상징이자 가치판단의 기준이 되기도합니다. 하지만, 하루가 다르게 자라는 아이의 키를 기록한 벽 한켠, 부인이 아파서 서투르지만 죽을 끓였던 부엌, 실연을 겪고 무수한 생각으로 가득차 바라보았던 방의 창문까지, 이런 정서적인 교감이 이루어지는 곳이야말로 홈스윗홈이라고 부를 수 있겠죠. 그것이 근사한 집이 될 수도있고 또 자동차가 될 수도 있습니다.

아직 월세에 살고있는 저에게 만약 이런 유목민과 같은 생활을 하라고 한다면, 어떤 기분이 들까요? 2019년에만 이사를 3번을 했고, 지금의 월세집에서는 2년을 살았습니다 그리고 지난날들을 되돌아보며 지금은 꽤나 잘 정착을 했다고 아내와 서로를 다독여주기도 합니다. 그런데 이제 집을 사려고 보니, 장애물들이 너무 많습니다. 월세는 돈이 쌓이지 않고, 모기지를 하면 25년간 노동을 쉬지 않아야합니다. 그렇게 어렵게 구한 공간을 정서적인 교감으로 물들이는 것도 저의 몫이겠죠. 그런 저에게는 유목민 생활을 할 용기가 없습니다. 그래서 유목민들에대한 저의 시선은 연민에 가까울 것입니다. 그래서 영화에서 자연과 하나가 되어 낭만을 쫓는 사람들보단, 사회보장제도와 자본주의의 사각지대에서 놓인 소외된 사람들이 더 보입니다.

여행은 돌아올 곳이 있기에 더욱 가치가 있다고 생각을 합니다. 만약 여행 자체가 삶이 된다면 그것은 더이상 여행이 아니게 되겠죠. 유목민의 삶을 엿보고, 우리에게 집의 가치를 다시금 생각하게끔 하는 노매드랜드(2020), 여러분도 보시고 영화가 던지는 질문에 나름의 대답을 해보시길 바랍니다.

[C] 노매드랜드 (2020)

스파이더맨: 노 웨이 홈(2021)으로 멀티버스를 성공적으로 소개시킨 마블이 이번에는 제목에까지 내세우며 본격적으로 멀티버스를 다루려고합니다. 제목처럼 관객들의 반응도 대혼돈에 빠진 닥터 스트레인지: 대혼돈의 멀티버스(2022)인데요. 오늘 포스팅에서는 이렇게 호불호가 나뉘는 이유와 감독의 의도를 제 나름대로의 시선에서 풀어보려고 합니다. 영화를 보셨다는 전제로 설명을 해보겠습니다.

마블의 수뇌부가 감독을 고르는데는 나름대로 이유가 있었습니다. 존 파브로는 엘프(2003)에서 보여준 아이들과 어른의 감성 그 어딘가의 사이를 잘 보여준 능력으로 마블의 시작을 맡을 수 있었고, 캐릭터가 많아지기 시작한 시빌워(2016)부터 엔드게임(2019)까지는 TV시리즈에서 다양한 캐릭터들을 다뤄본 경험이 있는 루소 형제가 맡았습니다. 비교적 덜 유명한 감독들과 함께 성공적인 콜라보를 만들어왔는데, 이번엔 오리지널 스파이더맨 트릴로지로 잘 알려진 샘 레이미라는 색채가 강한 감독을 데리고 왔죠.

샘 레이미 감독은 스파이더맨 시리즈로 알려져있을 뿐 호러영화 그것도 B급 호러영화에 능통한 사람입니다. 심지어 소니가 스파이더맨의 감독을 찾던 당시 샘 레이미는 고려대상도 아니었지만, 감독 본인이 간절하게 원하고 스탠리의 지원으로 발탁될수 있었죠. 그의 연출작들을 보자면, 데뷔작인 이블데드(1981)가 저예사 공포영화의 바이블처럼 여겨지고, 드래그 미 투 헬(2009)도 좋은 평가를 받으며 SF, 판타지, 호러영화계의 아카데미라는 새턴상을 수상했었죠. 그가 제작하는 참여하는 작품을 본다면 그의 성향은 더욱 두드러집니다. 맨 인 더 다크 시리즈와 그루지 시리즈 등 호러영화들이 대부분을 차지합니다. 이런 그에게 마블이 연출을 맡겼다는 것은 원하는 것이 확실했다는 것이겠죠. 히어로물+호러물의 그 중간을 맡아주기를 바랐을 것입니다. 관객들이 어리둥절해 하지만 통한 것으로 보입니다.

샘 레이미 감독의 호러적인 연출은 스파이더맨 시리즈에서도 중간중간 들어가있었습니다. 닥터 옥토퍼스의 수술 장면은 지금봐도 섬뜩합니다. 닥터 스트레인지 이번 편을 보고있으면 떠오르는 영화들이 몇몇 있습니다. 완다가 다른 세계의 완다에게 빙의되는 장면은 엑소시즘 영화이고, 닥터 스트레인지의 시체가 살아나는 장면은 말그대로 좀비 영화이죠. 분장과 연출을 보고있으면 그것도 B급 좀비영화입니다. 그리고 빙의된 완다가 쫓아오는 장면은 스티븐 킹 원작의 영화 캐리(1976)를 연상시키기도 합니다. 한번씩 임팩트있게 쓰여진 점프샷은 관객들을 계속 긴장하게끔 만들고, 완다가 카메라를 응시하면 거기서 오는 불편한 느낌이 고스란히 관객들에게 전달되죠. 이번 영화에서의 완다의 행실을 보자면 제목이 대혼돈이 아니라 영어 버젼의 광기가 더욱 어울리는 것 같습니다. 아내와 극장을 나서면서 정말 오랜만에 호러영화를 봤네라며 껄껄 웃으면서 집으로 왔습니다.

하지만 한번씩 호러 영화와 히어로 영화 그 사이에서 우왕좌왕하는 것 같은 느낌을 받을 때가 있습니다. 저에게는 두 닥터 스트레인지가 음표로 싸우는 장면이었는데요. 닥터 스트레인지가 갑자기 그린랜턴으로 보이는 것은 차치하더라도, 계속된 호러적인 연출에서 그 장면만 튀는 느낌이었습니다. 그러다 싸움의 마무리는 싸움에서 진 닥터 스트레인지가 창살에 꽃히며 다시 또 호러로 끝나죠. 마치 두 종류의 영화가 왔다갔다하는 느낌을 지울수가 없었습니다.

생성자: 본인, https://imgflip.com/memegenerator/144961820/Trojan-Horse

[C] 닥터 스트레인지: 대혼돈의 멀티버스(2022)

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새해를 맞이하는 것도 아닌데 수많은 아이들이 부모님과 함께 자정이 되기를 기다리고 있습니다. 새로 출간되는 해리포터 시리즈를 사기 위해서 인데요. 오늘 포스팅에서는 동명의 소설을 원작으로 만들어진 첫 영화 해리포터와 마법사의 돌(2001)이 개봉한지 20년을 기념하기위해 출연진들이 다시 모여 촬영 당시를 기억하는 스페셜 영상, 해리포터: 리턴 투 호그와트(2022)에 대해서 이야기 해보겠습니다.

from San Francisco, CA - Waiting for Harry Potter at Borders

해리포터 시리즈는 수식어가 더이상 필요없는 작품이 되었습니다. 아이들은 책을 읽지 않는다라는 편견을 깨버리고 전세계의 아이들이 밤을 새워 책을 읽게 만들었습니다. 영국의 어린이 문학은 피터팬에서부터 메리 포핀스까지 유명한 작품이 너무 많지만, 해리포터 시리즈는 단기간에 위에 나열한 유명한 작품들과 어깨를 나란히 하며 J. K. 롤링을 런던 올림픽 개막식에까지 설 수 있게합니다.

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1편의 제작자이자 감독인 크리스 콜럼버스는 이런 메가 히트친 원작을 영상으로 옮기는 데에 느꼈던 부담감과 어려움에 대해서 회고를 하며 본격적으로 리턴 투 호그와트(2022)가 시작합니다. 나홀로 집에 1,2편으로 어린이 영화와 어린 아이들과의 촬영 경험을 바탕으로, 아역 배우들에게 편하게 촬영할 수 있는 현장을 유도함과 동시에 어른인 제작/촬영팀과의 징검다리 역할을 제대로 해냈죠. 그리고 이제는 성인이 된 배우들이 그 당시를 회상하며, 항상 장난만 쳤던 어린 아이들을 데리고 촬영을 해낸 크리스 콜럼버스 감독에 대한 찬사를 늘어놓습니다. 이렇듯 리턴 투 호그와트(2022)를 구성하는 첫번째 파트는 영화의 일부였던 배우들이 해리포터 시리즈를 끝내고 시간이 지나 되돌아보니 비로소 느끼는 것들에 대한 회고로 이루어져있습니다.

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그리고 시리즈가 진행됨에 따라 배우들이 나이를 먹고 이야기는 자연스럽게 두번째 파트인 다양한 성장통에 대한 내용으로 흘러갑니다. 사춘기에 접어든 배우들이 불의 잔(2005)을 회고하는 키워드는 ‘왕성한 호르몬 분비’입니다. 축제와 파티를 담은 내용인데다 이제 막 이성에 대한 관심이 피어오르기 시작한 배우들은 촬영 현장과 실제 생활에서 그들이 알게 모르게 핑크빛 기류가 흘렀음을 고백합니다. 특히 엠마 왓슨과 톰 펠튼의 풋풋한 이야기는 보는 이로 하여금 미소를 짓게 합니다. 그리고 불의 잔(2005)을 시작으로 배우들이 느낀, 특히나 삼총사가 느낀 유명세에 대한 부담감을 이야기 하죠. 그리고 각자의 페이스대로 이겨낼 수 있었고, 무려 10년의 시간동안 8편을 무사히 마칠 수 있었던 것을 전세계 팬들 덕분이라고 이야기합니다. 그리고 삼총사가 다시 모여 이야기하는 장면을 보면서 그들이 아직 서로를 아끼고 가족이라고 확언할 수 있는 모습은 감동적입니다. 팬의 욕심이겠지만, 작품에서처럼 그들이 현실에서도 서로를 아껴줬으면 하는 바람이 있기 때문이겠죠.

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해리포터 시리즈는 완결이 났지만, 위자딩 월드는 끝나지 않았습니다. 해리포터 시리즈가 나올 때 태어나지도 않았던 아이들이 아직도 자신을 말포이로 부른다고 톰 펠튼은 이야기합니다. 어쩌면 자신의 이름보다 캐릭터의 이름으로 남을지도 모르는 상황에 그는 오롯이 해리포터 프로젝트에 함께 할 수 있었음을 감사히 그리고 겸허히 받아들이는 모습을 보여줍니다. 삼총사들도 10년의 직장은 잃었지만, 행복하게 참여했고 또다른 가족이라고 부를 수 있는 사람들을 얻을 수 있어서 좋았다고 얘기합니다. 이렇게 리턴 투 호그와트(2022)의 마지막 파트는 시리즈를 마무리함에 있어서 배우들의 자세를 듣는 것으로 끝을 맺습니다.

[C] 해리포터: 리턴 투 호그와트 (2022)

저는 특정한 날짜나 시기가 되면 챙겨보는 영화들이 있습니다. 지난 번에 적었던 러브레터(1995)는 겨울에, 그리고 8월에는 8월의 크리스마스(1998) 등 시즌(?)에 맞춰서 기억에 남는 영화들을 보는데요. 이제 4월이 되고 봄이 되니 또 생각나는 영화가 있습니다. 이와이 슌지의 영화들 가운데 가장 따듯한 이미지를 담고 있는 영화, 4월 이야기(1998)에 대해서 이야기하려고 합니다.

이와이 감독의 작품들을 이와이 월드라고 얘기합니다. 그리고 이와이 월드는 두갈래로 나눌수 있습니다. 따듯하고 아련한 감성을 주로 그리는 것이 화이트 이와이계, 그리고 어둡고, 우울감을 그리는 것이 블랙 이와이계라고 합니다. 블랙 이와이에는 릴리슈슈의 모든것(2001)이 대표적이고, 화이트 이와이에는 역시 러브레터(1995)가 대표적이지요. 4월 이야기(1998)는 화이트 이와이계열에 속합니다. 영화가 1시간 남짓으로 상영시간이 짧은데, 상영시간의 대부분을 이야기에 집중하지 않기 때문에 스토리 위주의 영화 감상법으로는 이 영화의 매력을 알기 힘든 것도 사실입니다. 제 아내도 영화를 보고는 ‘이게 뭐야?’라고 되물었을 정도니까요. 하지만 그 누가 뭐라고하든 저에게는 봄날 벚꽃 휘날리는 날이 오면 생각나서 챙겨보게되는 영화입니다.

앞서 얘기했듯이이 이 영화는 이야기에 집중하지 않는 영화입니다. 그래서 기승전결이 뚜렷하지 않습니다. 그렇다고 영화에 이야기가 없는 것은 아닙니다. 다만 기승에서 영화가 끝나버리죠. 시작을 다루는 영화가 사랑이 시작하려고 할 때 끝나는거죠. 영화의 주인공의 이름은 우즈키인데 이는 음력 4월을 뜻하는 말입니다. 다시 말해 영화는 실제 4월을 얘기하고 있지만, 동시에 주인공의 이야기이기도 합니다. 영화가 시작하고 주인공이 가족들과 작별인사를 할 때, 또 캠퍼스를 거니는 장면들은 주인공의 시점에서 바라본 시점쇼트로 촬영이 된 것도 이런 이유들을 보여주기 위함입니다. 세기말의 마츠 다카코의 모습은 그녀가 등장하는 매 순간이 마치 뮤직비디오를 보는 것처럼 느껴집니다.

이 영화는 시작의 이미지를 담고있습니다. 우리나라에서 4월은 특별한 의미가 없지만, 일본에서는 새학기가 시작하고 벚꽃이 피는 그런 시작의 설렘이 만개하는 시기입니다. 이와이 감독이 이 영화를 기획했을 때, 아마 떠오르는 이미지가 있었을 것이고 그 이미지들이 가지는 감성을 나열해보는 것이 제작의도였다고 생각합니다. 익숙한 풍경을 떠나 낯선 곳에서 새로운 시작을 하는 설렘과 불안감. 모든 생명이 잠에서 깨어나고, 처음으로 만나는 세계를 경험하는 생경함과 불편함. 사랑이 본격적으로 시작할지도 모르는 시기의 풋풋함과 두려움. ‘시작’이라는 단어에 담긴 이미지들을 영화에서는 자전거를 타고 벚꽃길을 지나는 것과 동시에 자전거를 타고 모르는 사람으로부터 도망도 가는 것으로 보여주죠. 또 자신감있게 자기소개를 하지만, 어느 순간 부끄러워지는 그런 순간들도 보여줍니다. 이 영화가 관객에게 더욱 와닿는 것은 우리 모두가 인생의 어느 순간에는 겪었던 그런 모습을 아름다운 이미지로 보여주었기 때문일 것입니다.

영화에서 주인공이 고전영화 보는 장면이 있습니다. 갑작스럽게 고전영화를 보여주는데다가 심지어 시퀀스도 짧은 편이 아닙니다. 고전 영화는 전국 시대의 끝을 꿈꾸는 미츠히데와 혼노지의 변에서 죽었을 터인 노부나가와 싸우는 장면을 보여줍니다. 실제 있는 영화도 아니고 본 영화를 위해 따로 제작을 한 대체역사물의 가짜 영화입니다.그럼에도 이 장면을 굳이 넣은 이유는 격변하던 전국시대와 새로운 세기를 맞이하는 세기말을 동시에 넣음으로써, 다가오는 시대의 불안함을 이야기하고자했던 이와이 감독의 감성이라고 이야기할 수 있겠네요.

아카데미 시상식 시즌이 오면 생각나는 영화들이 있습니다. 타이타닉(1997)이나 반지의 제왕: 왕의 귀환(2003)과 같이 최다 수상의 영예를 안은 작품들이 먼저 생각나고, 오랜 기다림 끝에 드디어 상을 받은 감독들의 영화들이 생각이 나기도 합니다. 반면, 너무 좋은 영화여서 상을 받을만 했는데, 받지 못 한 영화들도 생각이 나기도 합니다. 2020년 아카데미 시상식에서 기생충(2019)의 감독상, 작품상, 각본상 수상은 한국인으로서 자랑스러운 일이지만, 오늘 말씀드릴 영화는 아마도 기생충이 없었다면, 기생충이 받았던 감독상과 작품상 부문에서 수상했을 가능성이 컸을 것이라고 생각합니다. 이번 포스팅에서는 제가 느낀 1917(2019)에 대해서 이야기 해보려고 합니다.

[C] 4월 이야기(1998)

기술적인 측면을 빼놓고는 이 영화를 설명을 할 수 없습니다. 원 컨티뉴어스 샷으로 만든 이 영화는 마치 영화 전체가 편집점없이 만들어진 것 처럼 보이는데요. 단순히 이런 어려운 기술을 영화 전체에 구현해냈다는 이유만을 내세웠다면, 이 영화는 서커스와 다르지 않았을 것입니다. 하지만, 샘 멘데스 감독이 대단한 부분은 메세지를 잘 전달하기 위해서 기술을 뒷받침시킨 점인데요. 두 병사가 길을 나서서 목적지에 도달해야하는 시간과 공간의 다채로운 변화에서 오는 긴박감을 보여주기위해서 이런 원 컨티뉴어스 샷으로 촬영을 했다는 점입니다. 오후에 출발한 병사들이 영화가 진행됨에 따라 2시간이 지나 저녁이면 목적지에 도착을 하게만들 수도 있었죠. 하지만, 영화의 마지막에 희망을 표현하기위해 새벽에서 아침으로의 시간대를 보여주기로 결정한 감독은, 과감하게 중간에 암전을 넣음으로써 의도적인 편집점을 만들어버립니다. 기술과시가 아닌, 이야기를 뒷받침하기위한 연출이 이 영화를 더욱 아름답게 만듭니다.

영화의 이야기적인 측면도 뛰어난데요. 이 영화는 콜린퍼스, 마크 스트롱, 베네딕트 컴버배치까지 조연들의 캐스팅이 화려합니다. 반면 두 주인공들은 앞서 이야기한 배우들과 비교하면 잘 알려지지 않은 배우들이 맡았죠. 사실 이것은 영화의 주제와 맞물려있습니다. 샘 멘데스 감독의 할아버지가 들려준 이야기로부터 영감을 얻어서 만든 이 영화의 주제는 ‘익명의 평범한 병사의 위대함’입니다. 영화에서 유명한 배우들이 중요한 위치에 있고, 이들이 마치 전쟁을 진두 지휘하고 전세를 바꾸는 것 같이 보입니다. 하지만, 사실 그 뒤에는 우리가 이름을 알지 못하는 무명의 병사들이 있었고 이들에게 바치는 헌사가 바로 이 영화가 전하고 싶은 이야기입니다.

두 병사의 여정을 따라가는 영화기때문에 영화에서는 방향성이 중요합니다. 그래서 수직과 수평이 영화에서 굉장히 중요하게 차지하는데요. 영화 시작에서부터 병사들을 카메라가 수직으로 따라오는데, 이들을 가로막는 수평의 것들이 있습니다. 다른 병사들무리가 이들 앞을 지나가서 멈추기도하고, 다리가 무너지고, 나무가 가로막혀있기도 하죠. 그러다 영화의 하이라이트 장면이라고 할수있는 스코필드의 달리기 장면에서는 수많은 병사들이 막아서고, 그들에 부딪혀 넘어져도 다시 일어나 끝끝내 목적지에 도달하는 모습에서 우리는 감동을 받습니다. 여기까지 오는데 수많은 장애물들이 있었음에도 모든 것을 이겨내고 집에 갈 마음을 잃었던 병사가 희망으로 다시 집으로 돌아가는 이야기가 완성되는 것을 관객들이 느끼기때문이죠.

그리고 엔딩부분이 감동적인 이유는 또 하나가 있습니다. 영화는 시작서부터 스코필드는 본인이 선택하지 않았음에도 불구하고 어떤 상황에 놓여져서 생존을 강요받는 모습을 보여줍니다. 블레이크는 형을 구해야하고 또 독도법에 능했기때문에 이유라도 있었지만, 영화의 실질적인 주인공이라고 할 수 있는 스코필드는 이 임무를 수행해야할 이유가 전혀 없었죠. 그가 임무에 뽑힌 것은 블레이크의 옆에 있었다는 이유뿐입니다. 그리고는 사람은 자신의 의지와 무관하게 세상에 내던져진 존재(geworfenheit)이고, 장애물들은 하나같이 왜 하필 내 앞에 있나라는 질문을 하게 됩니다. 스코필드는 지도에 능하지 않기때문에 다른 사람들이 알려주는 길을 그저 묵묵히 따라갑니다. 하지만, 마지막엔 그쪽으로는 갈 수 없다는 말을 듣지만, 본인이 선택(netwurf)한 길을 달리며 결국 임무를 완성합니다.

비록 기생충에 밀려 아카데미 시상식에서는 빛을 못 봤을지언정, 이 영화는 우리 다음 세대들에게 클래식으로 회자될 영화가 될 것을 확신합니다. 영화제 시즌만되면 생각나는 영화, 1917(2019)이었습니다.

[C] 1917(2019)

1989년 팀버튼의 첫 배트맨을 시작으로 잭 스나이더의 배트맨까지 지난 30년이 넘는 시간동안 은막 위에는 5명의 배트맨이 있었고, 이제 6번째 배트맨이 공개되었습니다. 이번 로버트 패틴슨의 배트맨 영화는 2시간 56분이라는 엄청난 러닝타임으로 가장 긴 배트맨 영화이기도 한데요. 이번 포스팅에서는 더 배트맨(2022)이 이전의 배트맨 영화와는 어떻게 차별화되었고, 제가 개인적으로 좋았던 점과 그렇지 않았던 점을 이야기 해 보겠습니다.

Matt Reeves Wants The Batman to Be the World's Greatest Detective Story

(The following interviews with The Batman director Matt Reeves and stars Robert Pattinson, Zoë Kravitz, Jeffrey Wright, Colin Farrell and producer Dylan Clark contain no plot spoilers - but do detail Reeves' vision for the film.) What everyone involved in The Batman mentions about director Matt Reeves is his specificity.

https://www.moviemaker.com/the-batman-matt-reeves-detective-story/

아쉬웠던 점을 먼저 얘기해보겠습니다. 이번 배트맨은 조금 더 탐정 배트맨의 면모를 보여준다고 맷 리브스 감독은 종종 언급해왔습니다. 영화에는 배트맨이 리들러의 질문을 간파하고 다음을 예상하는 등, 탐정으로서의 면모를 보여주기는 합니다. 하지만, 다크나이트(2008)가 보여줬던 히어로 영화의 탈을 쓴 범죄영화와 같은 구조처럼, 이번에는 히어로 영화의 탈을 쓴 추리영화를 보기를 바랐습니다. 하지만, 제 기대에 어긋나게 영화에서의 추리풀이는 꽤나 즉각적으로 이루어지고, 관객들이 함께 추리할 시간을 주지 않습니다. 아마도 추리하는 과정이 영화를 관통하는 재미의 요소가 아니고, 양념처럼 뿌려져있기 때문과 또 영화가 길어진 탓이라고 생각되는데요. 세계최고의 탐정인 배트맨을 보기에는 개인적으로 영화의 추리들이 싱거웠다고 얘기하고 싶습니다.

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비록 제가 기대한 추리하는 탐정 배트맨이 아닐지라도, 이 영화는 가장 배트맨에게 집중한 영화이고 관객을 흥분시키기에 부족함이 없습니다. 이 영화의 분위기는 흡사 택시 드라이버(1976)와 조커(2019)처럼 어둡습니다. 첫 오프닝 씬에서 밤이 되면 움직이는 범죄자들이 어둠을 두렵게 만드는 배트맨이라는 상징의 본질을 축약해서 보여주고, 또 가장 현실적인 배트맨의 액션을 보여주며 관객을 사로잡습니다. 사담으로 영화 시작부터 지하철 씬이 끝나고나서 저는 제 아내에게 귓속말로 “개쩐다”라고 이야기를 할정도로 이미 저는 이 영화의 분위기에 취해 이미 빠져있었습니다. 심지어 크리스토퍼 놀란의 배트맨보다 더 현실적이라 얘기할 수 있는 이번 배트맨은 맞기도 많이 맞고, 고생이란 고생은 다 겪습니다. 하지만 그의 고생은 범죄자를 잡고, 갱을 소탕하는 등 소소하게 보상을 받죠. 예로 배트카가 나오는 카체이스 장면에서는 놀란 감독의 텀블러와 같은 탱크와 같은 파워풀함은 없습니다. 오히려 도로 위에서 차들에 가로막히는 등의 답답함을 응축하다가 마지막에 범죄자를 잡았을 때의 쾌감을 온전히 관객들이 느끼게 하고있습니다. 그리고 영화는 가장 현실적이고 어두운 히어로다운 분위기를 영화 끝까지 유지합니다.

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탄탄한 서사구조로 배트맨이 완성되는 과정을 보는 것 또한 영화의 큰 재미입니다. 제가 앞서 이야기한 오프닝 장면에서 그는 자신을 복수라고 정의합니다. 그의 복수는 자신의 부모님을 빼앗아간 범죄와 세상에 대한 개인적인 감정이 섞인 것이었죠. 그렇기에 그저 좋은 사람이었던 아버지가 범죄자와 손을 잡은 적이 있었다라는 사실에 그의 복수심은 방향을 잃은 것처럼 보입니다. 하지만 그의 아버지가 고담시를 위해 시작한 일을 본인이 이어받아 완성시키기 위해서는 범죄자들에게 자신의 복수심을 전달하며 두려움의 대상이 되는 것만으로는 부족하다는 것을 깨닫게됩니다. 영화의 후반부의 배트맨은 어둠 속의 한 줄기 빛처럼 사람들에게 희망만이 세상을 바꿀수 있음을 느끼죠. 다크나이트(2008)에서 하비덴트를 희망으로 남기며 본인이 어둠속으로 들어간 것과는 대조적인 해석입니다.

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영화는 게임 아캄 시리즈를 플레이해 본 분들이라면 익숙하게 느낄 부분들과 로버트 패틴슨 배트맨의 세계관을 잘 보여주기도 했는데요. 3시간 동안 밝은 장면은 나오지 않고, 낮 장면도 흐리고 비가 내리는 암울함을 보여주지만, 그런 분위기를 사랑하게 만드는 맷 리브스의 연출이 돋보였습니다. 3시간이란 긴 러닝타임을 2년차 영웅 배트맨의 정체성 확립의 순간들을 보여주며, 이제부터는 완성된 배트맨의 이야기를 기대하게 만드는 영화 더 배트맨(2022)이었습니다.

[C] 더 배트맨 (2022)

무라카미 하루키의 단편집인 여자 없는 남자들에 수록된 드라이브 마이 카를 원작으로 한 하마구치 류스케 감독의 신작, 드라이브 마이 카 (2021)는 오는 3월 27일에 열리는 제 94회 아카데미 시상식에 작품상, 감독상, 각색상 그리고 국제영화상 부문에 후보로 이름을 올렸습니다. 제 개인적으로는 올해 작품상 수상에 가장 가깝다고 생각이 되는데요. 이번 포스팅에서는 본 영화에 대한 저의 시각을 공유하고자 합니다.

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제가 이야기하고 싶은 첫번째 영화의 키워드는 ‘살아나아감’입니다. 영화에 나오는 주연들뿐만아니라 조연들까지 크고 작은 난관에 부딪히는 모습들을 보여줍니다. 그리고 영화의 흐름은 주인공인 가후쿠의 멈춰있던 삶이 다시금 나아가는 과정을 닮고있습니다. 영화의 프롤로그에서 주인공 가후쿠의 아내는 딸아이를 잃었고, 가후쿠는 아내를 잃었고, 운전자인 미사키는 엄마와 집을 잃었습니다. 하지만, 이들은 비극의 순간에서 자신들의 삶을 멈추지 않았습니다. 아내는 비극적인 사건 이후에 남편과의 성관계를 할 때, 이야기를 만들어냅니다. 이것은 그녀가 할 수 있는 잉태의 또 다른 형태로, 아이를 잃은 그녀가 만들어낸 또 다른 아이와도 같은 이야기를 드라마로 만들어내며 앞으로 나아갑니다. 미사키는 산사태로 집과 엄마를 잃고 무엇을 해야할지 모를때, 할 줄아는 것이 운전밖에 없어서 그거라도 하기 시작했다고 영화에서 나옵니다. 가후쿠는 아내의 외도를 맞닥뜨리기를 피하다 결국 중요한 순간에 아내를 구하지 못한 죄책감을 가지게 됩니다. 이후 그는 연극무대에 오르지 못 하게되지만, 영화에서 일련의 사건들을 겪은 후 다시 연극무대에 오르는 모습을 보여주며 영화는 끝을 맺습니다. 영화 속의 바냐 아저씨 연극의 소냐의 마지막 말로 살아남은 자들은 앞으로 나아가야함을 강조하죠. 아무리 남들 기준에 성공한 삶이 아니더라도 그것을 묵묵히 살아나가는 것 자체의 아름다움이 영화가 관객들을 위로하는 가장 큰 지점이라고 생각합니다.

두번째 키워드는 ‘감독의 언어에 대한 자세’입니다. 영화 속에서 바냐 아저씨 연극을 연출하는 가후쿠의 독특한 연출방식은 사실 하마구치 류스케 감독 본인의 영화 연출 방식입니다. 대본을 리딩할 때 배우들에게 철저하게 감정을 배제해서 대사를 읽어줄 것을 요구하는데요. 서로 다른 언어로 연극을 연출을 함에도 불구하고, 리허설 직전까지 배우들에게 대사를 반복해서 숙지하게 합니다. 이런 연출방식을 통해서 얻을 수 있는 것은 배우가 처음으로 감정을 실어서 연기를 할 때 상대배우의 진정한 리액션을 담을수 있다는 점인데요. 이런 리액션을 담는 과정이 더 생동감있는 연기를 볼수있게되고, 감독의 마법이 일어나는 순간이라고도 할 수 있습니다. 그리고 배우는 본인의 대사를 끊임없이 되새기면서, 대사의 의미 즉 내뱉는 말의 의미를 더욱 곱씹어보고 이해하게 됩니다. 이는 영화의 주제와도 연결이 되는데요. 아내의 외도를 피하고 소통을 거부했던 가후쿠는 아내의 마음을, 그녀의 언어를 이해할 수 없습니다. 하지만, 아내의 마지막 내연남이었던 타카츠키와의 대화에서 가후쿠는 이해했어야되는 것은 그녀의 언어가 아니라 본인이 내뱉을 언어를 정하지 못 했음을 깨닫습니다. 마음을 전달하는 매개체인 언어는 자신을 먼저 이해한 다음에 그 진실성이 전해질 수 있음을 보여줍니다.

마지막 키워드는 ‘더럽지만 아름다운 것’입니다. 하마구치 류스케의 전작인 아사코(2018)에서도 느꼈지만, 감독은 더럽지만 아름다운 것이 주는 감정을 영상에 담아내는데 탁월합니다. 아사코에서는 강물을 예를 들수있겠죠. 그리고 감독의 동일본 지진 다큐멘터리인 파도의 소리(2011)에서는 재해로 더럽혀지고 비참해진 지역에 살고있는 사람들의 대화를 통해서 숙연하지만 그 안의 아름다움을 느낄수있었습니다. 드라이브 마이 카(2021)에서는 미사키의 마음의 안정을 얻는 장소로 쓰레기 소각장이 나옵니다. 홋카이도가 고향인 미사키는 쓰레기들이 마치 눈처럼 내리지 않냐고 이야기를 하며 이 곳이 왜 그녀가 좋아하는 곳인지에 대한 이유가 나옵니다. 그리고 이야기가 일어나는 장소가 히로시마임을 생각한다면, 원폭으로 더럽혀진 곳에서 다시 사람들이 삶을 이어나간 아름다움을 이야기할 수 있겠죠. 그리고 영화의 후반부에 담배로 향을 피우기위해 더렵혀진 미사키의 손을 개의치 않고 잡아주는 가후쿠의 마음처럼, 우리는 하마구치 류스케가 말하는 더럽지만 아름다운 것이 주는 감동을 조금이나마 이해하며 영화 감상을 마칠 수 있습니다.

고레에다 히로카즈 이후에 정말 눈여겨 볼 만한 일본 감독이 나온 것 같습니다. 오늘 말씀드린 저의 세가지 키워드 말고도, 드라이브 마이 카(2021)에는 예술이 삶을 위로하는 방법이나 자동차 좌석 이동에 따른 인물들의 심경변화 등 관객의 입맛대로 골고루 해석해보기에 좋은 잘 만든 영화입니다. 영화의 셋업을 보여주는 프롤로그는 40분이되고, 총 3시간이라는 러닝타임이 부담되기는 하지만, 꼭 한번 감상해보시기를 권해드립니다. 그리고 만약 이 작품이 마음에 드셨다면, 하루를 투자해 감독의 해피아워(2015)도 보시기를 추천드립니다.

[C] 드라이브 마이 카 (2021)

군대 상병 휴가 때, 힙합의 ㅎ도 모르는 여자친구(현 와이프)가 제게 생일선물로 카니예 웨스트의 5번째 스튜디오 앨범을 줬습니다. 그것도 DVD가 포함된 디럭스 버젼이었죠. 알고보니 FUDIO의 writer중 한 명인 B에게서 추천을 받았더군요ㅎㅎ. 둘이 연락도 잘 안 하면서 저를 위해 물어본 여자친구나, 또 저를 잘 알아서 2010년대 최고의 명반을 추천해준 친구나 고맙고 또 재밌다고 생각했습니다. 여튼 저는 휴가 내내 CD를 틀었고, 몇 개월동안 앨범의 가사들을 곱씹고 악기들을 곱씹고, 전역하고는 비디오들을 곱씹으며 ‘아, 카니예 웨스트는 단순히 관종이 아니라 그냥 천재다’라고 결론을 내렸습니다. 이 시기즈음부터 그의 행보는 더욱 이해하기 힘들어졌습니다. 우리는 이 천재를 이해할 수 있을까요? 그 대답은 넷플릭스 오리지널인 지-니어스:카니예 3부작(2022)에서 어느정도 얻을 수 있었습니다.

Coodie와 Kanye의 첫 만남. Netflix.

1부 비젼, 2부 목적, 그리고 3부 자각으로 구성된 다큐멘터리는 당시의 스탠드 업 코미디언이자 채널 제로의 호스트였던 쿠디가 카니예 웨스트를 만나면서 시작합니다. 쿠디는 카니예가 스타가 될 것임을 직감하고, 그가 성공하는 과정을 담기로 마음먹고는 모든 커리어를 뒤로하고 이 신인 래퍼/프로듀서를 무작정 카메라에 담은 것이 이제서야 세상에 나온 것이죠. 1부 비젼에서는 카니예 웨스트의 프로듀서가 아닌 래퍼로 인정받으려는 노력을 볼 수 있습니다. 그동안의 기행으로 인해 멀게만 느껴지던 그가, 그저 평범하게 웃고, 낙담하고, 화내고, 또 다시 끊임없이 도전하고, 또 인정받으면 좋아하는 모습을 보고 있으니 충분히 공감을 자아낼 수 있는 인물이었음을 느꼈습니다. 심지어 중산층 동네에서 자랐다는 것으로 래퍼가 될수 없다는 시선이 신경쓰였는지, 사람을 죽이지 않았다고해서 랩을 못 하는 것은 아니라고 끊임없이 아둥바둥 반박하는 그를 보고 있으면 힙합씬에 받아들여지기 전의 열등감마저 엿볼 수 있죠. 자신이 최고라고 믿지만 본인이 원하는 래퍼가 되기위해 끊임없이 노력하는 그는, 꿈을 쫓는 청년이었습니다. 그리고 그가 엇나가지 않게 중심을 잡아준 그의 어머니, 돈다 웨스트가 있었습니다.

MTV.

돈다 웨스트는 카니예에게 필요한 모든 것을 주는 사람이었습니다. 그가 필요한 관심과 사랑 그리고, 자신감을 가지되 자만은 하지말라는 교훈도 줍니다. ‘The giant looks in the mirror and sees nothing. Everyody else sees the giant.’ 위대한 사람은 본인이 위대함을 인지하지 않아도 주변에서 알아본다라는 말을, 마마 웨스트는 카니예에게 어머니의 사랑으로 전달합니다. 어머니의 말을 듣고, 그것을 이해하려는 카니예를 보고 있으면 그가 얼마나 어머니에게 의지했지를 알 수 있습니다. 심장마비로 어머니를 잃었을 때, 카니예는 괜찮은 척 여전히 무대에 올랐지만 사실 그의 내면은 이미 부서지고 있었던 것입니다. 다큐멘터리 전반에 깔려있는 모든 일에는 이유가 있다라는 기독교적 관점에서 해석을 하려고 해도, 카니예에게 얼마나 많은 돈과 명성이 있어도 자살을 생각할 만큼 세상은 무의미해졌음을 보여줍니다. 그런 그가 결혼을 하고 아이를 낳고, 다시 세상에 남아 있을 의미를 잠깐이나마 찾은 것 처럼 보이며 안정적인 날들을 보내지만, 영상속의 그는 여전히 공허해 보입니다.

Through the Wire의 영상 속. Roc-A-Fella. Def Jam.

그가 처음 대중의 관심을 받게된 ‘Through the Wire’처럼 그는 그의 삶, 그의 생각을 앨범에 담아내죠. 어머니의 빈자리를 타인의 사랑으로 채워보려했지만, 결과는 좋지 않게 끝나고, 그에게 기댈 곳은 종교였죠. ‘The Life Of Pablo’와 ‘JESUS IS KING’과 같이 음악을 통한 메신저를 자처하기도 하며 자신의 조울증을 서스럼없이 세상에 드러내기도 합니다. 자신이 가진 영향력을 이용해 세상을 조금 더 나은 곳으로 만들고 싶다 이야기하는 카니예의 행동이 도를 지나칠 때 쿠디는 서스럼없이 카메라를 꺼버립니다. 그의 형제와도 같은 카니예를 지키기 위해서죠. 1부와 2부에서 보는 이와 인간적인 교감을 형성한 이후 3부에서는 이런 카메라를 끄는 상황이 여러번 나옵니다. 쿠디가 카니예를 바라보는 심정을 관객들에게 고스란히 전달되는 부분이기도 하죠.

It's official: Kanye West legally changes name to Ye for 'personal reasons'

It's official: Kanye West is now Ye. A Los Angeles judge approved the rapper's request to formally change his name from Kanye Omari West to just Ye, with no middle name or last name, the Los Angeles Superior Court confirmed to USA TODAY Monday.

https://www.usatoday.com/story/entertainment/celebrities/2021/10/18/kanye-west-changes-name-ye-personal-reasons/8512169002/

카니예 웨스트는 이제 성도 없이 그냥 Ye라고 법적으로 개명을 했습니다. 소중한 사람을 잃었다고 또 조울증을 앓는다고 그가 한 행동과 말들이 정당화될 수 없을 것입니다. 하지만 꿈을 이루기 위해 노력했던 어린 래퍼의 고군분투에 크게 시간을 할애한 이 작품을 보다보면, 적어도 지금보다 순수하게 웃던 그의 미소에 복잡한 감정을 느끼게 되실 겁니다. 최근에 어머니의 이름을 딴 앨범에서조차 잡음을 만들고 있는 그 이지만, 언젠가는 그가 다시 록아펠라의 첫 계약을 따냈을 당시의 순수했던 환한 미소를 다시 지을 수 있기를 바랍니다.

[C] 지-니어스:카니예 3부작 (2022)

북미에서 좋아하는 영화제를 고르라면 저는 선댄스 영화제를 고르겠습니다. 스팅(1973)으로 유명한 배우 로버트 레드포드가 시작한 선댄스 영화제는 다양성과 신선함을 추구하는 것이 특징인데요. 농인 부모가 낳은 청인 자녀를 주인공으로 하는 코다는 2021년 선댄스 영화제에서 최초로 4관왕을 달성하며 이름을 알렸습니다. 그리고 여새를 몰아 2022년 아카데미 시상식에 작품상을 포함해 3부문에 후보로 지명이 됩니다. 이번 포스팅에서는 Child of Deaf Adults(CODA)를 주인공으로 하는 영화 코다(2021)에 대해서 이야기 해보겠습니다.

영화는 시놉시스는 이렇습니다. 가족 중 유일한 청인인 막내딸 루비는 졸업반 고등학생입니다. 학교에 가기 전 가족들의 아침 어업을 돕고, 가족들의 귀와 입이 되어 주죠. 그러던 어느날 학교 합창단에 가입을 하며, 그녀는 가족들은 이해하지 못 할 그녀의 노래에 대한 열정이 있음을 깨닫게 됩니다. 그리고 학교 합창부 지도 선생님의 가르침으로 루비는 버클리에 음대에 도전하기로 마음먹죠. 그리고 영화는 사춘기 코다소녀의 일상을 유머와 감동으로 풀어냅니다.

oscars.org

넷플릭스 배급의 파워 오브 도그(2021)를 필두로 오버더탑 미디어 서비스가 대거 아카데미 후보작에 이름을 올린 가운데, 코다(2021)는 애플TV+가 배급한 영화들 중에는 처음으로 아카데미 작품상 후보에 올랐습니다. 영화는 재치와 생기가 넘치고, 우리가 몰랐던 세계를 보여줍니다. 하지만 제 개인적인 생각엔 영화 자체 만의 힘으로 작품성에 올랐다기보다는, 실제 농인배우들을 기용하고 그들과 함께 영화를 만들어낸 제작 환경에서 큰 점수를 땄다고 생각하는데요. 원작인 프랑스 영화 미라클 벨리에(2014)에서 청인 배우들이 수화를 배워서 연기했던 것과는 다른 점입니다. 아카데미 최연소 여우 주연상 수상 기록을 가진 말리 매틀린을 포함해 유명한 농인 배우들을 주연배우로 앞세워, 청인 제작진들이 이들과 소통하며 영화를 만들어냈다는 것만으로 작지 않은 한 걸음을 내딛은 것이라고 생각합니다.

코다이자 자신의 가족을 다큐멘터리로 만든 반짝이는 박수소리(2014)의 이길보라 감독은 한 인터뷰에서 사람들이 자신의 부모님을 안타깝게만 보는데 내가 보기엔 전혀 그렇지 않았기에 가족의 일상을 영상에 담아야겠다고 제작 동기를 얘기한 적이 있습니다. 코다(2021)에서도 농인 가족들의 일상을 다양한 접근으로 보여주는데요. 특히 코다의 시선에서 본인이 꿈꾸는 삶과 가족들의 통역사 사이에서 갈등하는 모습을 가감없이 보여주고, 처음 학교에 갔을 때 말하는 것이 부자연스러워서 애들에게 놀림거리가 됐다는 이야기도 보여주죠. 또 장애인과 섹스를 연결시키는 등의 터부시 되는 것을 이 영화에서는 정면돌파로 부수며, 원작 영화 못지 않은 소위 섹드립들이 넘쳐납니다. 특히 클라이 막스에서 딸이 노래를 부르기 시작하자 오히려 소리를 없애버리며, 농인의 입장에서 노래부르는 딸을 그저 사람들의 반응으로만 느끼는 모습을 보여주기도 합니다. 이렇듯 그들에게도 삶이 있고, 우리와 크게 다르지 않다라는 것을 간접적으로나마 느낄수 있는 기회였습니다.

음악이 주가 되는 영화는 청인들 기준에서는 아름답고 감동스럽지만, 농인들에게는 없는 장르나 마찬가지입니다. 이런 점에서 시놉시스만 놓고 보았을 때는 농인을 그저 연민의 대상으로만 둔 청인을 위한 영화지 않을까하는 걱정이 든 것도 사실입니다. 하지만 위에서 이야기한 농인 가족의 일상을 이야기 속에 잘 녹여내 영화는 오히려 큰 감동을 줍니다. 그리고 많은 코다들이 자신의 이야기가 영화로 보편화 된것을 보며, 나와 같은 사람들이 있구나란 것을 깨닫게 할 수만 있다면 이 영화는 그 자체로 큰 의미를 가진다고 생각합니다. 외롭게 느낄 코다들에게 그들의 고충이 있고, 그들의 커뮤니티가 있음을 인지하게 하는 것으로 위로가 될 수 있기 때문이죠.

다큐멘터리라는 장르는 아름답습니다. 가설이 있으면 그걸 증명하고, 이야기가 있으면 그것을 고스란히 전달해주죠. 잘 만들어진 다큐멘터리는 잘 쓰여진 논문을 읽는 것과 같다고 생각합니다. 그리고 베이징 동계 올림픽이 막바지로 다다르는 시점에서 오늘은 가설을 증명하려다 이야기를 고스란히 담게된 다큐멘터리 한 편에 대해서 이야기 해 보려고합니다.

[C] 코다 (2021)

2018년 제 90회 아카데미에서 최우수 장편 다큐멘터리를 수상한 넷플릭스 오리지널 다큐멘터리인 이카루스(2017)의 시작은 감독인 브라이언 포겔의 슈퍼 사이즈 미(2004)유형의 감독 본인을 대상으로 한 실험이었습니다. 고환암을 이겨내고 재활을 거쳐 투르 드 프랑스에서 무려 7번이나 우승을 한, 한 때의 인간승리의 아이콘이자 감독의 우상이었던 랜스 암스트롱이 어떻게 도핑 테스트를 벗어날 수 있었는지, 그리고 도핑이 직접적으로 경기의 결과에 영향을 주는지를 알아보는 실험이었죠. 여기서 다큐멘터리의 첫번째 이카루스 레퍼런스가 나옵니다. 랜스 암스트롱이 자신있게 약물을 사용한 적이 없다란 이야기가 나오자마자 태양이 나오죠. 인간승리의 아이콘이 도핑이란 태양에 밀랍 날개가 녹아버려 추락했음을 보여줍니다.

브라이언 포겔 감독은 연습만으로 사이클 경기에 참가해서 준수한 성적을 거두고 이제 도핑을 하기위해 자문을 구하는데, 이 과정에서 러시아 모스크바 반도핑 실험실 소장으로 지낸 그리고리 로드첸코프를 알게되죠. 로드첸코프을 비롯한 여러 전문가들의 도움을 받아 도핑+훈련으로 마치 무난하게 10위권 안에 들어갈 것만 같았던 포켈 감독은 경기 당일에 운이 따르지 않으면서 도핑을 하기 전 보다 오히려 떨어진 성적을 기록하게 됩니다. 하지만 실망감을 느낄 새도 없이, 세계 반도핑 기구(World Anti-Doping Agency, WADA)에서 러시아 육상 선수단이 단체로 도핑을 해왔음을 발표하고 그 중심에는 로드첸코프가 있음을 밝힙니다. 그리고 시스템의 결함을 증명하려던 다큐멘터리는 정치 범죄 스릴러로 바뀝니다.

Grigory Rodchenkov. Emily Berl for The New York Times

마치 다이달로스가 크레타 섬에서 이카로스를 탈출시킨 것처럼, 포겔 감독은 러시아에서 로드첸코프의 탈출을 돕습니다. 미국으로 무사히 탈출한 로드첸코프가 수많은 자료와 함께 꺼낸 말은, 러시아가 국가 차원에서 스포츠 전 종목의 선수들에게 도핑을 지시했고 대외적으로 이 사실을 은폐했다. 갑자기 그의 동료가 러시아에서 돌연사 하고, 미국 연방 수행원들이 그의 신변을 위협하는 등 어느 쪽도 믿을 수 없었던 로드첸코프는 뉴욕 타임즈에 모든 내용을 폭로하며 세간의 이목을 본인에게 집중시키며 본인을 지켰습니다. 이 결과, 러시아는 올림픽을 비롯한 국제 스포츠 대회에서 러시아라는 팀으로 출전이 금지됐죠. 2022년 카타르 월드컵까지 어떤 국제대회에서도 러시아 국기를 볼 수 없습니다.

단순히 러시아 국기를 못쓰고 국가를 연주 못 한다고 합당한 처벌일까요. 이 질문에 대해 고민을 하는 동안 베이징 동계 올림픽 뉴스가 흘러나옵니다. 러시아 피겨 선수인 카밀라 발리예바의 도핑에 적발되었다. 선수가 미성년자라는 이유로 예외를 받고 얼마나 본인의 의지로 도핑을 했는지는 중요한 일이 아닙니다. 도핑을 했다면 다시는 경기에 출전을 시키지 않아야합니다. 그렇지 않다면 우리는 각본없는 스포츠에 사실은 각본이 있었고, 우리가 느꼈던 감동은 무의미해지기 때문입니다. 지금 우리가 느끼는 회의감이 지속된다면, 전세계인의 화합의 장인 올림픽은 그저 무의미한 그들만의 축제가 될 뿐입니다. WADA의 권고에도 불구하고, IOC는 여전히 러시아 선수들의 올림픽 출전을 허락했고, 그것도 내년 부터는 다시 러시아 국기가 걸릴것입니다.

US could prosecute Russians in Kamila Valieva case, USADA chief tells CNN

The United States could prosecute Russian individuals allegedly involved in figure skater Kamila Valieva's doping case under the American Rodchenkov Anti-Doping Act (RADA), the head of the US Anti-Doping Agency (USADA), Travis Tygart, told CNN on Friday.

https://www.cnn.com/2022/02/11/sport/usada-prosecute-russia-kamila-valieva-doping-spt-intl/index.html

로드첸코프 반도핑 법으로 미국 정부가 관련 러시아인들에게 공소를 제기할 것이란 기사. CNN

[C] 이카루스(2017)

[1]

사람은 추억을 먹고 산다고 한다. 그리고 영화, 음악은 그런 추억의 한 장면을 떠올리는데 가장 쉬운 촉매제라고 생각 한다. 이 영화는 내가 처음으로 영화관에서 여러 번 본 영화이자, 나의 풋풋하고 자유로웠던 대학교 1학년, 20살의 나를 떠올리게 만드는 영화이다. 스스로 Geek이라 칭하는 나에게 마약과 같은 두근거림을 선사해줬던 영화, 바로 ‘트랜스포머’ 이다.

트랜스포머 포스터 - 출처 : 나무위키

[2]

우선 이 영화는 내용에 대한 설명은 크게 필요 없을 것이라 생각한다. 한 줄이면 정리가 될 정도니까. ‘착한 로봇(오토봇)과 나쁜 로봇이(디셉티콘) 지구에서 싸우고, 착한 로봇이 승리한다.’ 바로 권선징악. 심플이즈베스트. 즉, 이 영화는 역사적인 배경이나 분위기 또는 배우들의 연기와 심리전 등을 보기 위한 영화가 아닌, 폭발이 난무하고 거대 로봇들이 LA에서 싸우면서 건물들을 부수는 등 영상미가 넘치는 타임킬링용 오락영화가 되겠다.

건물 부수는 장면은 심심치 않게 나온다. / CJ엔터테인먼트 배급

[3]

타임킬링 영화라고 하는데, 왜 여러번(실제로 5번 봤다.) 보러 갔냐는 질문이 이어질 것이다. 인셉션이나 인터스텔라 등 여러번 보면서 숨은 의미나 놓친 장면을 찾아야 하는 영화도 아닌데 말이다. 이유는 단순하다. 재밌었기 때문이다. 물론 사람마다 재미의 기준이 다르겠지만, 이 영화의 가장 큰 장점은 우월한 영상미다.(완벽에 가까운 로봇 CG처리) 솔직히 최근 10년동안 영화를 계속 봐온 사람이라면, 저정도 그래픽이(?)라고 할지 모른다. 하지만 20년전인 2000년대 초반만 해도, 누가 봐도 저건 CG야, CG 때문에 영화에 집중이 안된다고 할 만큼 CG는 어색한게 많았었다. 반지의 제왕 ‘골룸’(2001), 영화 킹콩의 ‘킹콩’(2005) 등 발전 중이라는 것은 눈에 보였으나, 아쉬움이 많이 남았다. 그러던 중, 정말 정교한 로봇 CG를 표현한 영화가 등장한 것이다.

역시 간지 / CJ 엔터테인먼트 배급

[4]

이 영화의 감독을 맡은 마이클 베이는 시원시원한 액션과 폭발이 난무하는 젼형적인 할리우드식 액션 블록버스터를 만드는 감독으로 유명한데, ‘나쁜녀석들’, ‘더 록’, ‘아마겟돈’ 등 누구나 한번쯤 들어봤을 법한 90년대의 대작들을 여럿 만들었다. 따라서 이런 오락 액션 영화의 감독으로는 적절한 인선이었을 것으로 보이며, 로봇 상태가 아닌 일반 자동차 상태의 연출도 훌륭하게 보여줌으로써 나같은 기계 / 로봇 팬들의 동심을 울린게 아닌가 한다. 내가 여러번 영화관을 찾아가게 만들었던 장면은 바로 아래의 오토봇이 모일 때 처음 변신하는 장면을 하나하나 디테일하게 보여주는 것이었다. 정말 볼때마다 두근거림과 전율이 멈추지 않았다. 그래서 난 마이클 베이도 로봇 덕후인가 라고 생각을 했었는데... 인터뷰들을 보니 로봇보다 사람을 우선하는 애국자셨다. 그럼에도 불구하고, 이렇게 훌륭한 로봇 변신 연출을 보여준 감독에게 찬사를 보낸다.

1시간 2분, 오토봇 총출동 변신장면 / CJ엔터네인먼트 배급

[G] 트랜스포머 (2007)

여러분은 2월이 되면 어떤 이미지가 먼저 떠오르나요? 발렌타인 데이의 달달함, 설날의 따듯함, 지나가는 겨울의 아쉬움. 북미에선 2월을 흑인 역사를 기념하는 달이기도 합니다. 2월이 가진 수많은 이야기들 중에 2월만 되면 제가 찾는 영화 한 편을 소개해 드리고자 합니다. 죽기전에 하루를 투자해서 볼 가치가 있는 영화 에드워드 양 감독의 고령가 소년 살인사건(1991)입니다.

우리나라 관객들에게 대만 영화라고 하면 주걸륜 감독/각본/음악/주연의 말할 수 없는 비밀(2007)이 먼저 떠오를텐데요. 청설(2009)과 나의 소녀시대(2015) 등과 같이 최근의 대만 영화는 중국 시장을 상대로 영화를 제작하거나 로맨틱 코미디 영화가 주를 이룹니다. 헐리우드가 거대 자본이, 한국 영화가 진지/재미 사이의 줄다리기를 감정으로 드러내는 것이 특징이라고 말할 수 있는 것 처럼 대만 영화인들도 대만 영화만의 특징을 만들기위한 움직임이 있었습니다. 위에 나열한 영화들 이전에 대만 영화를 규정짓기위한 움직임, 그것을 대만 뉴웨이브라고 불렀는데요. 인물의 보통화, 시대문제의 개인화, 롱테이크를 통한 다큐멘터리적 연출 등을 특징으로 꼽을 수 있습니다. 에드워드 양은 이 대만 뉴웨이브 운동의 중심에 있던 감독이었습니다. 그리고 이 에드워드 양 감독의 자전적 영화라고 말할 수 있는 고령가 소년 살인사건(1991)이 오늘 포스팅의 주제입니다.

영화는 친절하지 않습니다. 무려 3시간 56분에 달하는 러닝타임에 인물들의 행동들은 이해가 가지 않습니다. 긴 영화만큼 등장인물도 많은데 서로를 별명으로 불리다가 또 어쩔땐 이름으로 불러서 누가 누구를 얘기하는지도 헷갈립니다. 도저히 영화가 눈에 안 담기는 것은 우리가 캐릭터와 스토리를 따라가는 기존의 영화 감상법으로 이 영화를 접근하려고 하기 때문입니다. 이 영화의 ‘주인공’은 인물이 아닙니다. 그래서 인물을 따라가선 영화를 온전히 즐길수 없습니다. 고령가 소년 살인사건(1991)은 대만 최초의 미성년자 살인사건을 소재로 삼은 영화입니다. 하지만 영화는 해당 사건을 소재로만 삼았지, 사건의 재현을 목적에 두고 있지 않습니다. 영화는 1960년의 대만, 미성년자 소년이 길 한복판에서 살인을 저질렀던 그 시대가 소재입니다. 그렇습니다. 이 영화는 1960년대 대만이라는 나라가 겪고있던 공기가 주인공인 영화입니다. 마치 그 시절의 공기가 밀폐캔에서 빠져나와 저를 그 시절로 에워싸는 그런 영화입니다.

왜 2월이 되면 이 영화가 생각나는지를 설명하려면 2월 28일 사건에 대한 간단한 설명이 필요합니다. 일본의 식민지를 벗어나고 얼마 안된 시점 장제스를 필두로 한 국민당이 국민당과 공산당 내전으로 인해 중국에서 현재의 대만으로 정부를 옮겨옵니다. 이 과정에서 대만으로 넘어온 사람들을 외성인이라고 불렀고, 그 이전부터 살던 사람들을 본성인이라고 불렀습니다. 2.28사건은 1947년 외성인의 국민정부가 본성인 노점 단속의 과잉진압 중에 사상자가 나오면서 분노한 본성인들은 거리로 나왔고, 이에 국부군이 사태 진압을 빌미로 계엄령을 선포, 본성인/외성인을 가려내 무차별 학살로 이어진 사건입니다. 이때부터 대만은 본성인과 외성인의 갈등으로 긴장이 감도는 나라가 됩니다. 양조위 주연, 허우샤오셴 감독의 비정성시(1989)가 직접적으로 이 사건을 다루고있습니다. 그리고 영화의 배경인 1960년의 대만은 국민당 정부의 지속적인 계엄령(1949년부터 1987년까지 이어진)의 영향에 있었죠. 영화에서는 누구도 본성인이나 외성인이라는 용어를 쓰지 않지만 관객들은 알 수 있습니다. 영화속 누구도 타이페이 도시 한 복판을 지나다니는 탱크를 의식하지 않지만, 관객들은 거기에 폭력이 있음을 느낄수 있습니다. 소년과 소녀가 데이트하는 배경에 군인들이 사격연습을 하고 있는 것처럼 마치 이것들이 그저 당연한 듯 카메라에 담아내고 있습니다.

제가 두번째 문단에서 이 영화는 에드워드 양의 자전적 영화라고 했습니다. 이 고령가 사건의 범죄자 소년은 에드워드 양과 같은 나이입니다. 그리고 에드워드 양은 영화 속 소년과 같이 상하이에서 태어나 대만으로 넘어온 본성인입니다. 분명 에드워드 양은 같은 나이의 소년이 어쩌다가 살인자가 되었는지에 대한 질문을 하게 되었을 것이고, 어쩌면 감독 자신이 저 소년의 위치에 있었을 가능성에 대한 생각도 했을 것입니다. 세상이 반으로 나뉘어 폭력으로 물들어버린 세상에서, 아이들은 당연한듯 아무렇지 않게 폭력을 받아들이고 어른들처럼 어울리는 패거리를 나누어 싸움을 하고 다닙니다. 영화는 마치 부서진 세상은 변하지 않을 것이란 절망을 보여주며, 이런 세상에 살아남기위해서 개인에게 선택하라는 것처럼 보여줍니다. 세상을 부수거나, 자신을 부수거나 양자택일의 상황에서 말이죠. 손전등의 빛만이 소년에게 빛이 되어 길을 잃지 않게 도와주었다면, 소년을 손전등을 버리는 선택을 합니다.

[C] 고령가 소년 살인사건(1991)

저에겐 겨울이 오면 찾게되는 영화들이 있습니다. 철도원, 이터널 션샤인 그리고 러브레터입니다. 이 중에서 이와이 슌지 감독의 장편 상업영화 데뷔작인 러브레터(1995)는 27년이 지난 지금도 여전히 사랑받고 있는 영화입니다. 영화 속 겨울의 차가움과 그 온도가 주는 시린 설렘이 고스란히 보는 이들에게 전해지는 그런 작품입니다. 다시 감상한 영화는 매우 이상한 작품이면서 제가 처음 이 영화를 봤을 때와는 또 다른 느낌을 받았는데요. 오늘은 러브레터(1995)를 다시보며 들었던 몇가지 생각을 공유하고자 합니다.

Fuji TV.

영화의 간단한 시놉시스는 이렇습니다. 히로코는 조난사고로 죽은 약혼자 이츠키를 아직까지 잊지 못 하고 있습니다. 그의 2주기 추도식이 있던날 약혼자의 졸업앨범에서 지금은 없어진 예전 집주소를 발견하고, 편지를 보냅니다. 편지의 내용은 “잘 지내시나요? 저는 잘 지냅니다.” 분명 닿지 않아야 할 편지인데, 히로코는 답장을 받게 됩니다. 답장을 쓴 사람은 동명이인의 이츠키 양이 쓴 것이죠. 이츠키 군으로 이어진 두 사람, 생김새마저 비슷한 두 사람은 그에 대한 이야기로 편지를 주고 받기 시작합니다.

저의 기억 속의 러브레터(1995)는 사춘기 소년 소녀의 말 하지 못한 짝사랑의 감정이 더 크게 와 닿았습니다. 도서관 카드에 그저 이름을 적으며 감정을 내비친다든지, 같이 시간을 더 보내고 싶지만 답지를 맞춰본다며 핑계를 대는 모습이라든지 말이죠. 주고 받는 편지를 통해서 과거의 기억을 더듬으면서, ‘아 그것이 나의 첫사랑이었구나’를 깨닫는 것이 더 큰 줄기의 영화로 기억했습니다. 중학생 때 학원을 오다가다 스치듯 지나간 인연들 중 그 여자아이와 좀 더 시간을 보내기 위해 나는 어떤 핑계를 댔었던가를 생각해보게 만드는 그런 영화였죠. 제 오랜 감상문을 보면, 영화 제목인 러브레터를 과거의 내가 현재의 나에게 보내는 메세지라고 해석을 한 것이 있었습니다. 아마도 제가 영화를 봤을 당시의 제가 이런 장면들에 더 공감이 갔기때문에 이런 사춘기 감정선의 영화라는 느낌이 남아있었나 봅니다. 하지만, 이건 영화를 절반만 이해한 것이 되더군요.

Fuji TV.

영화의 절반이 이츠키 양이 과거의 사랑을 깨닫는 러브레터를 쓴다면, 히로코는 과거가 되어야만 하는 사랑을 잊기위해 러브레터를 씁니다. 약혼자가 죽고 현재의 연인이 있지만, 히로코는 과거로부터 벗어나지 못 하고 2년전 자신의 감정에 멈춰있습니다. 그래서 수취인불명이 됐어야할 편지가 답장이 왔을 때 천국에서 보내는 답장이라고 믿고 싶을 만큼, 히로코는 아직 미련을 버리지 못 하고 있습니다. 편지를 주고 받는 과정에서 히로코는 약혼자가 나를 선택한 이유가 과거의 첫사랑과 닮았기때문이라고 깨닫지만, 배신감보다는 질투에 가까운 감정을 느끼며 죽은 사람의 관심을 받고싶어하죠. 하지만, 그가 죽은 산을 마주하고나서야 그동안 피해왔던 약혼자의 죽음을 실감하며, 영화의 명대사로 남아있고, 또 처음 부친 편지에서 하고 싶었던 말 “おげんきですか. はたしはげんきです”을 외칩니다. 단순히 안부를 물었던 일방적인 편지와 달리 산은 메아리로 같은 말로 히로코에게 대답해줍니다. “잘 지내시나요? 저는 잘 지냅니다” 그리고 이 말은 생사의 기로에 있는 사실상의 운명공동체인 이츠키 양에게도 전해지죠. 이렇게 과거에 얽매여 사는게 사는게 아니었던 히로코는 죽은자에게 안부인사를 묻고/들으며 삶으로 돌아오고, 이츠키는 과거를 마주하고 받아들이며 삶으로 돌아옵니다.

Fuji TV.

다시 본 러브레터(1995)는 마냥 풋풋한 느낌의 영화가 아니었습니다. 영화의 포스터이자 첫장면이 히로코가 눈밭에서 숨을 참고 조난당한 이츠키 군의 상황을 재연해는 듯한 유사죽음에서부터 시작하고는 가쁘게 숨을 쉬며 추도식의 사람들 곁으로, 즉 삶으로 돌아오면서 영화의 오프닝이 흐릅니다. 그리고 아버지를 폐렴으로 잃은 이츠키 양은 기침을 하며 단순 감기라고 넘기지만, 사실은 아버지와 같은 죽음의 길을 가고 있는 것입니다. 그 당시엔 보이지 않았던 키워드들이 새롭게 보이니 새삼 나이가 들었다는 생각을 했습니다. 예전 교수님께서 해준 말씀이 생각이 나더군요. 교수님에게 좋은 영화란 같은 영화를 보는데도 20대 때의 느낌과 50대 떄의 느낌이 다른 영화라고. 여러분은 이 영화가 어떻게 보일까요? 눈이 소복히 쌓이면 생각이 나는 영화, 러브레터(1995)였습니다.

[C] 러브레터 (1995)

저는 구정만 되면 친구들과는 극장에서 최신 상영작을 보고 같은 날 저녁엔 가족들과 설날 특선 영화를 보곤 했습니다. 외화 같은 경우는 우리말 더빙까지 입혀져 더욱 특별한 감상을 할 수 있었죠. 저는 내부자들(2015)과 같은 자극적인 영화는 설특선 편성에 어울리지 않는다고 생각합니다. 설특선 편성은 가족들이 모여서 가볍게 웃을 수 있거나 혹은 같이 이야기할 거리를 생산해내는 그런 영화들이 메인을 이루어야한다고 봅니다. 평소엔 날을 세우고 비판했을 가문의 위기(2005)와 같은 영화도 설날에 가족들과 본다면 “그래 설이니까~”하고 넘어 갈 수 있는 것처럼 말이죠. 그런 점에서 MBC의 이번 설특집영화로 편성된 삼진그룹 영어 토익반(2020)은 설에 온 가족과 함께 보기에 최적의 영화라고 생각합니다. 영화의 만듦새는 각종 시상식에서 상을 탈 수준으로 잘 만들었고, 영화의 배경이 95년인 점은 세대간의 이야기거리를 만들어내죠. 사랑스런 고졸 여사원들의 회사 내부 고발이야기, 삼진그룹 영어 토익반(2020)에 대해서 이야기해 보겠습니다.

간단한 시놉시스는 이렇습니다. 1995년, 입사 8년차이지만 고졸이라는 이유로 말단 직원 신세를 못 벗어나는 친구 3명이 있습니다. 커피 타기, 사무실 청소, 서류 정리가 일상인 이들은 진짜 업무라는 것이 하고 싶습니다. 그런데 이 친구들이 토익 600점만 넘기면 대리로 승진을 할 수 있다는 소식을 듣고는, 희망을 품고 영어 공부를 시작합니다. 그러던 어느날 한 친구가 회사 소속 공장에서 폐수가 유출되는 것을 목격하고 다른 두 친구들과 힘을 합쳐 회사를 상대로 폐수 유출과 관련된 사건을 해결하려고 합니다.

이 영화의 힘은 가벼움입니다. 영화의 키워드를 나열하자면, 내부고발, 90년대의 사내문화, 학력우선 위주의 인사처리, 실제 있었던 페놀 유출 사건 등 암울하기 그지없습니다. 그러나 영화는 이 키워드들을 사랑스런 캐릭터와 코미디 영화의 공식을 따르며 무겁지 않게 만들어졌습니다. 비슷한 이야기를 다룬 영화인 다크 워터스(2019)가 느리고 무겁게 만들어진 것과는 결이 다르죠. 그리고 이 가벼움에 지분을 크게 차지하는 것이 캐릭터들입니다. 고아성, 이솜, 박혜수 이 세 배우가 만들어낸 캐릭터들의 앙상블은 영리하게 극중에 녹아져 있습니다. 그저 이 세 친구들이 겪는 에피소드들을 보고 싶을 정도로 배우들의 케미가 좋습니다. 전달은 가볍게 하지만 담고 있는 메세지는 결코 가볍지 않습니다. 아마 여기서 느끼는 괴리감을 못 받아들이는 분도 있을 것이라고 생각합니다. 하지만, 저는 그게 의도된 것이라고 생각을 해요. 왜냐하면 이 영화는 토익도 페놀 유출도 핵심이 아니라 영화를 구성하는 하나의 장치이지, 영화의 주제는 아닙니다.

이 영화는 힘없는 개인이 좌절하고 또 좌절해도 함께 모여서 아이 돈 기브 업, 유 돈 기브 업, 위 돈 기브 업 이라고 외치며 결국엔 역경을 이겨내는 이야기가 주제입니다. 그래서 좌절의 상황을 길게 유지해 나가지도 않습니다. 과거의 좌절도 길게 설명하지 않죠. 개인이 기업과 싸운다는 이야기 자체가 판타지인 것은 우리 모두가 아는 현실입니다. 하지만, 이런 영화에서까지 그런 현실을 고증하며 영화를 피곤하게 감상할 필요가 없다는 얘기가 하고 싶습니다. 적어도 영화를 보는 동안 이 영화가 주는 순수한 재미와 영화 속 캐릭터들을 응원하며 2시간을 보내면서 현실을 도피해도 괜찮다는 것입니다. 그래서 영화가 사건을 해결하는 과정이 현실성이 없더라고, 요즘같은 시기에 저는 이런 무대포적인 해피엔딩이 보고싶습니다. 마치 저도 영화의 캐릭터들과 같이 힘을 합치면 무엇이라도 할 수 있을 것만 같은 간접경험을 하고나면, 회사에 나가서 열심히 일을 할 것만 같은 느낌이 들죠. 약 1주일치 정도겠지만요.

가족끼리 이 영화를 보고나면, 행복하게 영화를 잘 봤다고 이야기할 수도 있고, 그 시절엔 그랬지, 라떼는 말이야 라는 부모님의 소싯적을 들어볼 수도 있겠죠. 코로나가 길어지면서 다들 예민해지고 지치는 시기에 건강하게 웃으면서, 오늘의 나보다 성장해 있을 것만 같은 내일의 나를 기대하게 만드는 영화 삼진그룹 영어 토익반(2020)이었습니다.

[C] 삼진그룹 영어 토익반(2020)

중국에서는 영화 감독을 도연, 즉 연기를 지도하는 사람이라고 부르는데요. 파워 오브 도그(2021)는 현존하는 최고의 여성 감독인 제인 캠피온의 12년만의 장편 영화로, 올해 열릴 아카데미 시상식에서 연기부문에 다수의 배우가 후보로 오를 것으로 예상되는 작품입니다. 주로 여성의 시각이 투영된 주제의식과 섬세한 표현으로 유명한 그녀가, 서부를 배경으로 남성성에 대한 이야기를 한 것에 이미 제 호기심을 자극하기엔 충분했는데요. 이번 포스팅에서는 스포일러를 포함하고 있으며, 영화에 대한 제 개인적인 해석을 공유하고자 합니다.

영화의 시놉시스는 간단합니다. 1925년 서부 개척시대를 배경으로 미국에서 성공한 목장을 운영하는 형 필 과 동생 조지 버뱅크가 있습니다. 조지가 로즈라는 미망인과 사랑에 빠지고 결혼까지 이어지며, 그녀와 그녀의 아들 피트는 이제 필의 괴롭힘을 맞닥뜨리게 됩니다. 영화에는 세 명의 남자가 나옵니다. 그리고 이들은 각각 다른 남성성을 표면적으로 보여줍니다. 필은 패권적 남성성, 조지는 공모적 남성성, 그리고 피트는 종속적 남성성으로 보여지죠. 여기서 감독은 이들을 이런 일반적인 캐릭터로 그리지 않고, 이들의 내면을 전혀 다른 성격으로 채워넣어 연기의 난이도를 확 올려버립니다. 특히 베네딕트 컴버배치가 연기한 필과 코디 스밋-맥피가 연기한 피트의 연기가 인정받는 부분도 이 내면의 성격과 표면적인 성격을 함께 표현해낸 점에 있습니다.

필은 흔한 서부극의 카우보이처럼 마초적이고, 카리스마로 무리를 휘어잡습니다. 하지만, 그에게는 공유할 수 없는 비밀이 있죠. 그것은 그가 브롱코 헨리로 불렸던 그의 스승을 동경의 감정 그 이상으로 사랑했다는 사실입니다. 필을 따르는 무리와 사회가 그에게서 바라는 우두머리라는 역할을 해내기에는 그가 동성을 사랑한다는 것을 널리 밝힐 수 없었죠. 그래서 그는 과거의 추억에서 안정감을 느끼고, 현재를 변화시키려는 요소들을 제거하려 합니다. 하지만, 현재를 변화시키는 요소 중 하나 였던 로즈의 아들인 피트에게서 잊었던 감정을 느끼고, 그가 피트의 ‘브롱코 헨리’가 되어가는 과정에서 그는 죽음을 맞이합니다.

반면, 피트는 외모부터 걸음걸이 그리고 종이로 꽃을 만드는 행위까지 피트와는 표면적으로 정반대에 서있는 것처럼 보입니다. 하지만, 무표정으로 동물을 해부하고 도구없이 손수 동물의 목을 꺾는등의 모습도 함께 보이며, 엄마인 로즈의 행복을 위해서라면 무엇이든 할 것이라고 스스로 얘기합니다. 그리고 엄마가 필에게서 모멸감과 위협감으로 알콜 중독에 빠졌음을 알았을 때, 계획적으로 차근차근 필을 죽입니다. 가녀린 외모와는 달리 목적을 위해 수단을 가리지 않고 엄마의 행복을 지켜낸 피트의 옅은 미소를 끝으로 영화는 그제서야 제목인 ‘The Power of the Dog’를 보여줍니다.